CINEMANIACS oncle Jules

UN PAISAJE MUY RECARGADO. 'What a nice place!'

2012-02-12T03:55:00.000-08:00

Un buen amigo mío geógrafo, Frank Sánchez, revisó y me pidió que revisaramos juntos un antiguo texto y así lo hemos hecho. No soy ni mucho menos Josep Mª Espinàs, ni Camilo José Cela, ni el Luís Buñuel de "LAS HURDES. TIERRA SIN PAN" [1933], por supuestísimo que no; tan sólo escribo como lo haría un cineasta que tratara de describir una localización para una película, un modesto estudio topográfico y fotográfico, eso es todo...

Frank me dijo exactamente: "Qué texto más bonito. Como geografo, estas descripciones me encantan: es un gran trabajo de geografia humanista. Tambien me trae buenos recuerdos, ya que pase algunos veranos de mi infancia (y algun que otro sabado de invierno) en el cercano municipio de Begur. ¡Podiamos hacer una excursión y rematarla con una cantada d' havaneres i un bon cremat de rom!)."

Y es sabido que tras la ingesta de unos buenos tragos de cremat de rom confluyen mucho mejor las idéas. Xavi Sans

Entre Santa Cristina d´Aro y Sant Antoni de Calonge se encuentra Torre Valentina, esto pertenece a la provincia de Gerona; para mí es un estado mental, un lugar mítico e idílico. Éste no es un subterfugio de la memoria, el lugar que voy a describir provoca en mi cierta inquietud mas allá del puro deleite arquitectónico románico y de la ambientación recargada y ostentosa de lo que representa un mero capricho de nuevos ricos. Son modernismos y contrastes entre lo viejo y lo nuevo que me hacen pensar en Dalí; podemos observar como la naturaleza hostil en desacuerdo con la obra construida por el hombre para su disfrute, la va erosionando lentamente. Desde el periplo a pié hasta el Camí de Ronda vemos la espléndida y azul playa, -soberbia en los días claros-, con sus calas. Durante la guerra civil se construyeron en esas rocas feos búnkers.

Bunkers en las rocas

Si tomamos el Camí de Ronda un buen trecho de camino abrupto nos lleva a las calas, el trayecto está lleno de cuestas sin alisar, con muchos pedruscos y raíces de pinos, y con un inmenso precipicio con tramos muy peligrosos por estrechos.
El difícil camino se intentó vallar hace muchos años con una gran baranda de madera, pero la madera de la obsoleta estructura se pudrió, así que mas recientemente se trató de apuntalar las vallas con postes metálicos y con cable alambrado. Un efecto muy inarmónico con el paisaje natural. Incluso los sueños son imperfectos.
Llegamos al primer punto de interés: La encrucijada de caminos. Hay un camino para continuar caminando, otro para salir del primer camino, otro para acceder a la primera cala, otro para acceder a una escala superior hasta los hoteles y a los apartamentos de lujo de montaña, y un quinto camino para visitar el castillo románico situado en un plano inferior al de la montaña.
Pero yo deseo seguir andando por el Camino de Ronda. El siguiente punto de interés es un puente-túnel de madera y piedra. Si cruzas por el quedas cubierto por las motas de polvo que flotan en el aire. Desde allí se puede contemplar la privilegiada terraza de estilo románico propiedad de un millonario.

Puente y Villa Romanos en el Camí de Ronda de Torre Valentina con Palamós al fondo

El tercer punto de interés es un estrecho caminito con tres peldaños de escalera de ladrillos al inicio el trayecto, más otros tres al final del mismo. Contornos angulosos, oblicuos, de volumen irregular, largos y estrechos, escalones gastados, -algo malsanos-; El arquitecto puso también ahí unos incómodos bancos de piedra para sentarse, no hay un efecto plástico cuando lo ornamental deriva hacia la búsqueda del confort. Muere lo natural. Unos escalones o una cuesta empinada lo mismo impiden al viajero evolucionar por estos tramos con naturalidad como permiten un dinamismo desencajado que se desarrolla por un instinto de supervivencia ante un medio hostil. El castillo de Torre Valentina, que se alza majestuoso sobre mí como si se tratara del castillo en las nubes del cuento infantil "Juan y las habichuelas mágicas", parece contemplarme con desdén.
Hay que caminar muy pegado al muro de piedra, asimismo, hay que esquivar los árboles que entorpecen el trayecto atravesando el muro de piedra y creciendo caprichosamente en horizontal, comprimidos, ahogados, impidiendo a los cuerpos humanos que traten de acceder por allí desarrollar naturalmente su andadura, obligándoles a inclinarse, a curvarse bruscamente, a desempeñar gestos entrecortados que dibujan curvas o diagonales extravagantes. Ésos árboles que salen de los muros de piedra son como esqueletos saliendo de sus tumbas.

Final de trayecto y un cuarto punto que despierta mi interés: Una cala solitaria, gran superficie de roca plana con una gran pendiente hacia abajo, muy empinada y que desemboca en el mar cruzada por unos grandes raíles, -utilizados para botar los yates de los millonarios-. Pues durante los años treinta del siglo XX muchos V.I.P.´s británicos se instalaron permanentemente en esta zona buscando quizá una réplica soleada a las costas de Cornuailles y Saint-Malo; como la actriz británica, protagonista de "Los 39 Escalones" de Hitchcock: Madeleine Carroll.

Por los dos grandes ojos azul turquesa de un gran acuario un grupo de seres humanos nadan como si fueran delfines y sirenas, me observan divertidos. Son millonarios sumergiéndose en la piscina de un suntuoso y exclusivo hotel, buceando hasta un inmenso ventanal de cristal abierto en medio de un muro de piedra románico.

Nuevamente una imágen naturalista con la suficiente y fuerte preséncia del mar Mediterráneo se vé entorpecida por la excentricidad, voluptuosidad y ociosidad de unos privilegiados que, depredando conscientemente el hábitat natural, han construído monstruosidades superfluas, poniendo vados para evitar que las personas sencillas disfruten de la naturaleja salvaje, y centrando toda la atención en los paraísos artificiales.

Al lado de este desvarío de ricos está la entrada sellada de una oscura y lúgubre mazmorra romana.

A tan solo unos pocos metros de este sacrilegio, otro capricho mundano se puede observar con estupor. Otro multimillonario, -esta vez un excéntrico americano-, se hizo construir allá por los años cincuenta del pasado siglo, una inmensa propiedad mas inclinada que la Torre de Pisa sobre una colina pronunciadísima. A lo que una véz fué un palacio gótico inglés se le construyó un anexo realmente horrendo y decadente. Se trata de una torre blanca con grandes cristaleras -propia de la era aerodinámica en la que fue diseñada y concebida-, con un ridículo espantajo de porcelana, de un metro sesenta y ocho de alto, con la forma de una señora anciana, sentada ante un huso de hilar,
-que de lejos parece que empuñe un cuchillo enorme-, al que le han colocado una ridícula pañoleta negra de seda en la cabeza; el mamarracho está situado frente a la ventana principal, con el objeto de engañar a ladrones muy crédulos. [¿A que se parece a la madre de Norman Bates de "Psicosis"?]
-Hitchcock dixit-.

La Villa de la Abuelita Asesina

Recientemente la mafia rusa, empeñada en estropear aún más el paisaje si cabe, se ha construído en la zona unas viviendas de hormigón y mármol con forma de cubos, ¡horrorosas!. Tanto que me niego a poner una foto de esta nueva debacle hacia la naturaleza.

Revisión de un artículo de Xavier Sans Ezquerra del 2.008

Frank Sánchez y un servidor cuando todavía dejaban fumar en los restaurantes

EL SOÑADOR ETERNO

2012-01-08T09:21:00.000-08:00

La vida secreta de Walter Mitty

Título original: "The Secret Life of Walter Mitty"

RKO, 1947. 110 min.

Dirigida por: Norman Z. McLeod

Guión: Ken Englund, Everett Freeman y Philip Rapp, basado en una historia de James Thurber

Director de fotografía: Lee Garmes en Color (Technicolor)

Musica: David Raksin

Producida por Samuel Goldwyn

Con: Danny Kaye (Walter Mitty); Virginia Mayo (Rosalind van Hoorn); Boris Karloff (Dr. Hollingshead); Fay Bainter (La señora Mitty); Ann Rutherford (Gertrude Griswold); Thurston Hall (Bruce Pierce); Gordon Jones (Tubby Wadsworth); Florence Bates (La Sra Griswold); Konstantin Shayne (Peter van Hoorn); Reginald Denny (Coronel); Henry Corden (Hendrick); Doris Lloyd (La señora Follinsbee); Fritz Feld (Anatole); Frank Reicher (Maasdam); Milton Parsons (Mayordomo); Y las chicas Goldwyn (Modelos de Anatole).

Otros interpretes: Mary Brewer, Betty Cargyle, Sue Casey, Lorraine DeRome, Karen X. Gaylor, Mary Ellen Gleason, Jackie Jordan, Georgia Lange, Michael Mauree, Martha Montgomery, Pat Patrick, Irene Vernon, Lynn Walker, George Magrill, Joel Friedkin, Harry Harvey, Jr., Mary Ann Baird, Jack Gargan, Donna Dax, Warren Jackson, John Tyrrell, Raoul Freeman, Bess Flowers, Sam Ash, Philip Dunham, Harry Depp, Frank McClure, Dick Earle, Edward Biby, Broderick O'Farrell, Harold Miller, Wilbur Mack, Patsy O'Byrne, Ralph Dunn, Jack Cheatham, Carl Faulkner, Frank Meredith, Brick Sullivan, Mary Forbes, Moy Ming, Weaver Levy, Beal Wong, Barbara Combs, Pierre Watkin, Netta Packer, Ernie Adams, Lucille Casey, Audrey Betz, Frances Morris, Syd Saylor, Billy Bletcher, Frank Ellis, Hank Worden, Eddy Chandler, George Lloyd, Eddie Acuff, Vernon Dent, Wade Crosby, Dorothy Granger, Harry L. Woods, Cy Shindell, Frank Marlowe, Ruth Lee, Dorothy Christy, Margaret Wells, Dick Rush, Kernan Cripps, Christine McIntire, Lumsden Hare, Henry Kolker, John Hamilton, Charles Trowbridge, Charles Wilson, Jack Overman, Frank LaRue, William Haade, Minerva Urecal, Nolan Leary, Tommy Hughes, Ted Billings, Tom McGuire, Mary Gordon, Otto Reichow, Billy Newell, Paul Newlan, Anthony Marsh, Leslie Denison, John Meredith, Peter Gowland, Harold Temple Hensen, Robert B. Altman, Leslie Vincent, Chris Pin Martin, Sam McDaniel, Betty Blythe, Maude Eburne, Al Eben, Ethan Laidlaw, Don Garner, Eddy Waller, George Chandler, Vincent Pelletier.

Sinopsis: Una divertida comedia clásica sobre un corrector de pruebas (Danny Kaye) dominado por sus castradora madre y por su novia que se refugia en sus sueños grandiosos hasta tal punto que todo el mundo piensa que está loco cuando descubre por casualidad un plan para llevar a cabo un robo de joyas.

James Thurber nació en Columbus (Ohio) en 1894 y murió en Nueva York en 1961. En los USA generalmente se le considera un humorista un poco rancio, de actitudes misóginas y excesivamente ingenuo, con esa ingenuidad de las portadas de Rockwell para el Saturday Evening Post.

Cualquiera sería capaz de reconocer sus dibujos; no es difícil en un tiempo en que el sueño americano tomaba la forma de anodínos empleados de oficina, bomberos valerosos, críos fugados de su casa o policías bonachones.Thurber es también el autor de una pequeña obra maestra: "The Secret Life of Walter Mitty". Augusto Monterroso ha dicho de este cuento: "Soy gran admirador de Thurber, pero casualmente no del fabulista (del cual leí hace años algunas traducidas por Jaime García Terrés) sino del ensayista, del caricaturista, y sobre todo del autor de uno de los mejores cuentos que se hayan escrito jamás: «La vida privada de Walter Mitty», una especie de Don Quijote en seis páginas". Walter Mitty es en efecto un quijote de Connecticut, un personaje chestertoniano perdido en sus ensoñaciones en una ciudad de la América verdadera. Es pariente del protagonista de "In the bus", ficción de Logan Pearsall Smith, que sueña con el Kilimanjaro ante el embrutecido rostro de una pasajera, y del burgués que vuelve a casa en ómnibus en "Desde la imperial" de Valery Larbaud, que aprovecha su domininación urbana para un dar gracias a Dios. Mitty es el héroe de los pobres de espíritu, es el rey de los perdedores empedernidos que están en las nubes. Ya sea como comandante de un hidroavión militar, como cirujano eminente, como tirador de primera con una sola mano, o como aviador temerario, en fin, como héroe de guerra, Mitty puede ser Douglas Fairbanks mientras se compra unas botas de agua en una zapatería. No hay duda: Walter Mitty es un héroe de nuestro tiempo.

Fragmento: THE SECRET LIFE OF WALTER MITTY, written and illustrated by James Thurber (1945), Penguin Books, 1965.

"¡Vamos a atravesarlo!". La voz del comandante sonó como una delgada capa de hielo al quebrarse. Vestía el uniforme de gala, con la gorra galonada inclinada gallardamente sobre un frío ojo gris. "No podemos hacerlo, señor. Se está convirtiendo en un huracán, si quiere mi opinión". "Nadie le ha preguntado, teniente Berg", dijo el comandante. "¡Enciendan las luces de potencia! ¡Pongan el motor a 8. 500! ¡Vamos a atravesarlo!". El martilleo de los cilindros aumentó: 'paqueta a paqueta, paqueta a paqueta, paqueta a paqueta'. El comandante tenía la mirada fija en el hielo que estaba formándose en laventanilla del piloto. Se acercó a una hilera de complicados mandos y los manipuló."¡Enciendan el auxiliar número 8!", gritó. "¡Enciendan el auxiliar número 8!", repitió elteniente Berg. "¡A toda potencia la torreta número 3!", gritó el comandante. Los de la tripulación, absortos en sus diversas tareas en el enorme y pesado hidroavión militar de ocho motores, se miraron y sonrieron confiadamente. "El Viejo logrará que la atravesemos -se decían unos a otros- ¡El Viejo no le tiene miedo ni al mismísimo demonio!"."¡No tan deprisa! ¡Vas demasiado deprisa!", dijo la Sra. Mitty. "¿Por qué vas tan deprisa?"."¿Hmm?", dijo Walter Mitty. Miró a su mujer, sentada a su lado, con sobresaltado asombro. Le pareció una absoluta extraña, como si una mujer desconocida le hubiera chillado enmedio de una muchedumbre. "Ibas a más de noventa", dijo."Sabes que no me gusta ir a más de setenta. Ibas a más de noventa". Walter Mitty siguió conduciendo silenciosamente hacia Waterbury, mientras en las íntimas vías aéreas de su mente se iba desvaneciendo el rumor sordo del SN 202, atravesando la peor tormenta de sus últimos veinte años de aviación marítima. "Has vuelto a ponerte tenso", dijo la Sra. Mitty. "Es uno de esos días tuyos. Me gustaría que dejaras que el doctor Renshawte te examinara".Walter Mitty paró el coche delante del edificio en el que ella íba a arreglarse el pelo. "Acuérdate de comprar las botas de agua mientras me arreglan el pelo", dijo."No me hacen falta botas de agua", dijo Mitty. Ella guardó su espejo en el bolso. "Ya hemos hablado de eso", dijo, saliendo del coche. "Ya no eres un crío". Mitty aceleró un par de veces el motor. "¿Por qué no llevas los guantes? ¿Has perdido los guantes?". Walter Mitty metió la mano en un bolsillo y sacó los guantes. Se los puso, pero en cuanto ella se dio la vuelta y entró en el edificio y él llegó al primer semáforo en rojo, se los quitó otra vez. "¡En marcha, amigo!", le espetó un guardia cuando la luz cambió, y Mitty se puso apresuradamnte los guantes y avanzó dando bandazos. Condujo sin rumbo por las calles durante un rato, y luego pasó por el hospital camino del aparcamiento... "Se trata de Wellington McMillan, el banquero multimillonario", le comunicó una linda enfermera. "¿Sí?", dijo Walter Mitty, quitándose lentamente los guantes."¿Quién lleva el caso?". "Los doctores Renshaw y Benbow, pero han llegado tambiéndos especialistas, el doctor Remington de Nueva York y el Sr. Pritchard-Mitford de Londres. Éste ha venido en avión". Se abrió una puerta que daba a un largo y fresco pasadizo y entró el doctor Renshaw. Tenía un aspecto turbado y ojeroso. "¿Qué tal,Mitty?", dijo. "Estamos pasando las de Caín con McMillan, el banquero millonario y amigo personal de Roosevelt. Es una obstreosis del tracto ductal. Una de tercer grado.¡Ojalá pudieras echarle un vistazo!". "¡No faltaría más!", dijo Mitty. En el quirófano se susurraron las presentaciones: "Dr. Remington, el doctor Mitty. Sr. Pritchard-Mitford, el doctor Mitty". "He leído su libro sobre estreptotricosis", dijo Pritchard-Mitford, estrechándole la mano. "Una obra brillante, señor". "Gracias", dijo Walter Mitty. "No sabía que estuviera usted en los Estados Unidos", dijo refunfuñando Remington. "Traernos a Mitford y a mí hasta aquí para un tercer grado es como echar agua al mar". "Es muy amable", dijo Mitty. Una inmensa y complicada máquina, conectada a la mesa de operaciones, llena de tubos y conexiones eléctricas,comenzó en ese momento a emitir un ruido de: 'paqueta a paqueta, paqueta a paqueta, paqueta a paqueta'. "¡El nuevo anestesiador está fallando!", gritó un interno. "¡No hay nadie en todo el Este del país que sepa arreglarlo!". "¡Bueno, calma!", dijo Mitty, con voz baja y serena. Saltó sobre la máquina, que ahora emitía un 'paqueta a paqueta-kuip'. Comenzó a manipular una hilera de relucientes mandos. "¡Denme una estilográfica!", dijo bruscamente. Alguien le alcanzó una estilográfica. Sacó de la máquina un pistón defectuoso e introdujo la pluma en su lugar. "Esto aguantará diez minutos", dijo. "Prosigan con la operación". Una enfermera se aproximó apresuradamente y le susurró algo a Renshaw, y Mitty vió que éste empalidecía. "Ha empezado la coreopsis", dijo Renshaw crispadamente. "¿Podría usted hacerse cargo, Mitty?". Mitty lo observó y también a la acobardada figura de Benbow, conocido por su afición a la bebida, y las caras graves e indecisas de los dos grandes especialistas. "Si así lo desean", dijo. Le pusieron una batablanca, se colocó una mascarilla y metió las manos en unos finos guantes; la senfermeras le entregaron unos relucientes..."¡Meta marcha atrás, jefe! ¡Cuidado con ese Buick!" Walter Mitty frenó en seco."Se ha equivocado de carril, jefe", dijo el empleado del aparcamiento, mirando a Mitty atentamente. "Vaya. Pues sí", murmuró Mitty. Comenzó a retroceder cuidadosamentepara salir del carril que ponía «Sólo Salida». "Déjelo ahí", dijo el empleado. "Yo lo aparcaré". Mitty salió del coche. "Eh, más vale que me deje la llave". "Oh", dijo Mitty, entregándole la llave de contacto. El empleado saltó al coche, dió marcha atrás con una destreza insolente, y lo puso en su sitio. Son tan condenadamente engreídos, pensó Walter Mitty, mientras caminaba por la calle principal; se creen que lo saben todo. Una vez, en las afueras de NewMilford, había intentado quitarle las cadenas a los neumáticos y había acabado por enredarlas en los ejes. Había tenido que venir un hombre en una grúa a desenredarlas,un joven mecánico que se reía mostrando los dientes. Desde entonces, la señora Mitty le había obligado a llevar el coche al taller a que le quitaran las cadenas. La próxima vez, pensó, llevaré el brazo derecho en cabestrillo, así no se reirán de mí. Iré con el brazo derecho en cabestrillo y verán que no hubiera podido quitar las cadenas por mí mismo. Le propinó una patada a un montón de nieve que había en la acera. "Botas de agua", se dijo, y se puso a buscar una zapatería.Cuando volvió a salir a la calle, con las botas en una caja debajo del brazo, Walter Mitty empezó a preguntarse cuál era la otra cosa que su mujer le había pedido que comprara. Se lo había dicho dos veces, antes de salir de casa para dirigirse a Waterbury (...)"

Traducción de: Emilio Quintana.

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Norman Z. McLeod Norman Zenos McLeod (Grayling, Míchigan, 20 de septiembre de 1898 - Hollywood, California, 27 de enero de 1964) fue un director de cine, historietista y escritor estadounidense. Está considerado uno de los grandes directores de cine cómico (slapstick) de la historia del cine, trabajó con actores de la talla de W.C. Fields, los Hermanos Marx, Cary Grant, Harold Lloyd o Bob Hope. En 1947 dirigió esta adaptación de "La vida secreta de Walter Mitty.

Divertida película de fantasía de los años 40.

Una deliciosa, divertida y encantadora exhibición del genio de Danny Kaye, en su mejor papel.

Walter Mitty es un artista del escape, capaz de construírse toda una vida mediante sueños.

Antes de que existieran Mike Meyers, Adam Sandler, Eddie Murphy y Jim Carrey estuvo -por supuesto- Danny Kaye. En "La vida secreta de Walter Mitty", Kaye ofrece una brillante e histérica actuación como el muy imaginativo Walter Mitty, que se escapa de su propia vida real y se retrata a sí mismo como un gran hombre: es un diseñador de sombreros, un tahúr profesional a bordo de un barco de vapor, un héroe de guerra, un cirujano eminente y un vaquero. Danny Kaye es una especie de perdedor que aún vive con su madre, no les gusta mucho ni a su novia, ni a su futura -y perruna- suegra y es ninguneado por su jefe. Sin embargo, su aburrido mundo va a sufrir un gran cámbio y participará en una auténtica y peligrosa aventura al conocer accidentalmente a una bella mujer a quien ha visto en un sueño la noche anterior. Lo siguiente que sabe es que ella está involucrada en un caso de algunas pinturas robadas, en un plan para robar las joyas de la corona holandesa, en la búsqueda de un misterioso libro negro y en un asesinato. Hay hombres como Boris Karloff tratando de matarlos y él no sabe qué hacer, también está un conspirador jefe apodado "La Bota". Mientras tanto Kaye canta canciones infantiles.

El guión del film traspasa sin ningún sonrojo la línea en el absurdo. Puedo entender por qué James Thurber, quien escribió la historia breve original en que se basa esta película, la odiaba. Pero creo que Thurber no estaba siendo del todo justo. En primer lugar, los libros y la película tienen formas distintas de contar las mismas historias, y en segundo lugar, los primeros 10 minutos son idénticos a la historia de Thurber (excepto en que Walter tiene una madre molesta en vez de una esposa gruñona); Además me parece que los personajes y las actuaciones tienen cualidades muy "Thurberescas"; la acción se desarrolla en Nueva York. (Curiosamente, el interior de la casa van Hoorn se parece mucho al interior de la casa del malvado Bruno Anthony de "Extraños en un tren" de Hitchcock).

Boris Karloff y Konstantin Shayne son dos villanos deliciosos. (Dato curioso: su hombre de confianza, Henry Corden, más tarde se convirtió en la voz de Fred Flinstone, o Pedro Picapiedra). La idealizada Virginia Mayo del film resulta muy seductora y más hermosa que nunca (a pesar de su limitado talento, su ligero estrabismo y su "talla grande"). Ann Rutherford es una delicia, Fay Bainter era una grandiosa actriz, Florence Bates es un primor y Fritz Feld compone un impagable sombrerero gay.

Danny Kaye tenía muchos recursos cómicos -el hipocondríaco, el tartamudeo cobarde, el neurótico que juguetea nervioso con las palabras en sus trabalenguas musicales, y los tics-. Eso es más o menos lo que él hace aquí, y si usted no ha visto una película de Danny Kaye este film puede ser una introducción bastante divertida. La cinta también contiene dos de mis números musicales favoritos de Kaye: "Sinfonía de la lengua Unstrung" y "Anatole de París"; escritos y compuestos por la mujer de Kaye: Sylvia Fine.

Como Mitty, Kaye interpreta las diferentes fantasías de su personaje, -la mayoría de estos sketches son muy divertidos-, y en la película también participa en una trama de misterio. Está hecha sobre todo para reír, y como tal, funciona bien. El reparto es bueno, especialmente Boris Karloff, perfecto en su papel. La combinación de bufonadas y de acción (regado todo esto con unas cuantas canciones) no es algo que realmente se pueda tomar en serio, pero es buena manera de pasar un par de horas divirtiéndose, sin complejos.

Seguramente "El asombro de Brooklyn" "El inspector general" y "El bufón de la corte" son más consistentes como comedias locas protagonizadas por Danny Kaye que "La vida secreta de Walter Mitty", pero este film saca el lado vulnerable de Danny Kaye, -uno de mis favoritos desde la infancia- Por lo general, me pone de los nervios cuando veo personajes de una película que se dejan humillar y que son tan calzonazos como Walter/ Kaye lo és aquí; pero no tienen la dulzura que tiene él. Pocos actores se destacan por su multi-talento. En sus últimos años, Cuando Kaye estaba deprimido, cantaba "Pulgarcita" en un club nocturno casi vacío. Fué voluntario de la Unicef.

"La vida secreta de Walter Mitty" ha envejecido bien. El Technicolor no se ha desvanecido, la historia de amor no resulta demasiado edulcorada, pero hay que olvídarse de la trama, -el McGuffin que decía Hitchcock-, en este caso es que los malos quieren algo que el tío de Virginia Mayo conoce. Solo así puedes relajarte y divertirte. Mis momentos favoritos: toda la primera parte del film -angustia existencial de Mitty-, las burbujas que inundan el decorado en el episodio que se desarrolla en el barco fluvial, Kaye cantando "Soy Anatole de París" y cuando Karloff trata de convencer a Kaye de que todo lo que ha visto forma parte de sus alucinaciones (con la enfermera paseándose en ropa interior por el despacho del psiquiatra, con Virginia Mayo atada a una silla y "El cuadro de la madre" de James McNeill Whistler; con la madre del artista en ropa interior).

McLeod muestra su impecable dominio del tempo de una secuéncia cómica, la elegante puesta en escena domina con destreza cada risa, cada emoción que el episódico guión ofrece, mientras que la fotografía en color es deliciosamente atmosférica y confiere a la película una sensación de estar asistiendo a una clase magistral de iluminación cinematográfica en color, -no es casual que Goldwyn otorgue a Lee Garmes (así como a McLeod y a él mismo) un título de crédito individual en un solo cuadro-. Y hablando de Goldwyn, por supuesto, es natural que la película pueda presumir de tener valores de producción tan superlativos. En todo caso, sin embargo, Sam, Norman y Lee se superaron con 'Walter Mitty'.

El diseño de vestuario y los peinados del filme resultan demasiado exóticos. Es casi imposible creer que las mujeres ricas fuesen vestidas y peinadas así en los años 40.

Parecidos muy razonables:

-Por cierto, ¿alguien ha notado las similitudes -respecto a la trama y la situaciones- entre esta película y "My Favorite Brunette" de Elliot Nugent, 1945 con Bob Hope? El personaje de Virginia Mayo es igual al de Dorothy Lamour, una damisela en apuros; el de Danny Kaye es igual al de Bob Hope, un héroe improbable; el libro negro de un film es igual al mapa que interesa a los malos en el otro, e incluso Boris Karloff tiene la misma profesión (falso psiquiatra, dueño de un asilo y evidente asesino) e idéntico aspecto siniestro que Peter Lorre. Hay un tío impostor en una silla de ruedas y un asesinato en un coche en las dos películas, el héroe entra en una casa para salvar a la heroína,
-con pleno conocimiento, e incluso con la asistencia de los malvados-. Las dos películas comparten un actor secundario: Reginald Denny.

-Me llama la atención la similitud entre los personajes de Tom Ewell en "The Seven Year Itch" (1955) de Billy Wider y de Danny Kaye en "Walter Mitty": Los dos trabajan para una editorial que se especializa en el sexo y la violencia -en su vertiente más sangrienta- y ambos sufren una represión excesiva. Teniendo, sin embargo, una vida fantasiosa muy activa. Sin embargo, "Seven Year Itch" tuvo mucho éxito, mientras que la película de Danny Kaye no lo tuvo.

-También veo paralelismos con el filme de 1955 "Artists And Models" de Frank Tashlin, donde un deficiente mental con esquizofrenia, interpretado por Jerry Lewis, está obsesionado con los cómics 'pulp' y tiene pesadillas por eso. Sin embargo, el listillo de Dean Martin pronto descubre que las pesadillas de su amigo pueden ser un excelente material para sus propios libros de historietas. Más tarde, resulta que el material que Jerry Lewis dicta inconscientemente a Dean Martin milagrosamente contiene fragmentos de los secretos de Gobierno de los EE.UU. ¡Y un grupo de espías rusos están interesados en saber más!. Así que Lewis & Martin deben colaborar con el gobierno de su país y hacerse pasar por espías.

-Y con "Cómo asesinar a la propia esposa" (1965) de Richard Quine, sobre un un caricaturista (Jack Lemmon) cuyos dibujos se superponen con su vida.

En ámbas obras existe un nexo común, se utiliza una onomatopeya como metáfora del caos mental en el que se sumen sus protagonistas respectivos (un 'Ábrete Sésamo' que abrirá las puertas a las fantasías más delirantes). En "Walter Mitty" los engranajes de complicados mecanismos de los escapistas sueños de grandeza del héroe se ponen en marcha con unas palabras mágicas: "Paqueta a paqueta; Paqueta a paqueta..."; Y en "How to Murder your Wife" la infernal hormigonera que inspira al dibujante de cómics emite un incómodo sonido como de cerebro que bulle: "Glopita-glopita; Glopita-glopita... "

-Hay un gag muy imitado (sobretodo en una de las 'Panteras Rosas' de Blake Edwards): En una ocasión el autoritario jefe de Kaye, quién roba sus ideas, está celebrando una importante reunión de negocios cuando Kaye entra inesperadamente -por una ventana- con fatales consecuéncias para la puerta de cristal del despacho de su superior; (Cuando Kaye acaba, dos veces, en una cornisa de una ventana de un décimo piso haciendo compañía a las palomas -que él mismo alimenta cada mañana- es un homenaje a Harold Lloyd).

-Y existen similitudes evidentes entre "Walter Mitty" y "El Señor Rossi", -esos dibujos animados de Bruno Bozzetto de los años 70-.

Por desgracia han hecho un remake de "The Secret Life of Walter Mitty" con (¡Dios nos ayude!) ¡Ben Stiller o Jim Carrey!; y un musical de Broadway.

Frases y diálogos para el recuerdo:

Gertrude Griswold: Walter, ¿qué és ése horrible olor?

Walter Mitty: Es la colonia que me regalaste por Navidad.

Gertrude Griswold: Es maravillosa, ¿no es cierto?

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Walter Mitty: (A su madre, a su jefe, a su novia, a su suegra y a su rival amoroso): "Vuestras mentes pequeñas me miran con recelo. Eso es porqué el único ejercicio que hacen es sacar conclusiones precipitadas."

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Walter Mitty: (A Hendrick): "¡Empieza a cantar, 'manteca de cerdo'!"

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Walter Mitty: "¡Ella existe! [Refiriéndose a Rosalind] ¡No es un sueño! [...] ¡Ella existe!"

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La señora Mitty: (Hablando de un reloj pero refiriéndose a su hijo): "El reloj no sonó. Oí claramente que no sonó."

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Dr Hollingshead: [Amenazando de muerte a Walter Mitty]: "Sé como matar a un hombre sin dejar rastro." [...] "El arma más eficaz es la mano humana."

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Dr Hollingshead: Quizás usted me está confundiendo con otra persona.

Walter Mitty: (Teniendo en cuenta que el psquiatra siniestro que le atiende es nada menos que

¡ Boris Karloff !): Oh, no. Usted es inconfundible. Nadie se parece tanto a usted como usted mismo.

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Walter Mitty: [Cantando y al mismo tiempo soñando despierto que és Anatole de París]: "¿Y por qué hay que mirar con buenos ojos cada nueva sombría confección que yo haya diseñado? / Estrictamente entre nosotros, "Entre-nous", ¡yo odio a las mujeres!."

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http://youtu.be/ntATWJl6Yl0

Coincidencias con:

"My Favorite Brunette" (1945) de Elliot Nugent

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"The Seven Year Itch" (1955) de Billy Wider

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Artists And Models" (1955) de Frank Tashlin

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"How to Murder your Wife" (1965) de Richard Quine

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I sogni del Signor Rossi (1977) de Bruno Bozetto

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La ecuación correcta sería:

Harold Lloyd en 'Safety Last!' (1923) y 'Girl Shy' (1924) de Fred C. Newmeyer y Sam Taylor

+ Peter Sellers en 'A Shot in the Dark' (1964) de Blake Edwards

+ Jerry Lewis en 'Artists And Models'

= Danny Kaye en 'The Secret Life Of Walter Mitty'

HERMANOS MARX DEBUT EN BROADWAY

2011-12-22T07:37:00.000-08:00

Los hermanos Marx: Harpo, Zeppo, Chico y Groucho (sentado) en 1924

(Como incondicional "Marxista" -de la 'Facción: Groucho'- que soy, he buscado, y hallado al fín, un guión no rodado de los Hermanos Marx que he querido compartir con los lectores que quieran visitarme, -fans acérrimos de los Marx Bros., como lo és un servidor-. Este material ha sufrido diversas correcciones y modificaciones a lo largo de los 86 años que tiene encima; No obstante, el buen 'burlesque' es como el buen vino añejo, esta comédia vodevilesca sigue conservando un excelente 'bouquet'. ¡Que lo disfruten con salud!; "A la santé!").

Teatro: "¡Y tanto que lo es!" (1924) es una revista escrita por Will B. Johnstone,

con música de Tom Johnstone.

La historia detrás del show

En la década de 1920, los hermanos Marx eran estrellas del vodevil pero aún no habían montado un gran espectáculo de Broadway, y éso les parecía todavía muy lejano. En 1923, Chico conoció por casualidad a un productor independiente llamado Joseph M. Gaites, que estaba buscando talentos para montar un show que le permitiera reutilizar los decorados sobrantes de varios fracasos escénicos en los que se había involucrado. Su respaldo fue James P. Beury, un millonario de Pennsylvania que acababa de comprar el Walnut Street Theatre de Filadelfia y que necesitaba algo para "llenarlo" durante el verano de 1923. "J. P. Beury estaba en el negocio del carbón", -contó Groucho-, "y estaba buscando colocar a una de las coristas. Éra Harpo, pero él no lo sabía. Así que el magnate puso el dinero".

Los Hermanos Marx se apresuraron a montar el equivalente a una revista musical gigante. Se basaba nominalmente en una comedia musical de éxito de Will y Tom Johnstone, -originalmente escrita para la actriz británica Kitty Gordon; Originalmente su título éra: "Amor en venta"-. Tanto esta actriz como la práctica totalidad de la obra fueron sustituïdas a toda prisa; El tema musical "Dame una emoción" se resistía a los cámbios. Algunas de las canciones y la idea básica, la de una millonaria en busca de emociones, se mantuvieron, pero en su mayoría se añadieron nuevos materiales más adecuados para los hermanos Marx. Algunas de las nuevas escenas fueron filmadas con posterioridad por la Paramount , -como la de la audición, que en 1931 se rodó dos veces con cámbios y ajustes-. Mientras que otros gag´s (como el célebre de Napoleón en Waterloo) fueron escritos por Groucho y Will B. Johnstone. Joseph M. Gaites dijo finalmente la suya y eliminó dos canciones "Tómame" y "En las nubes", -ambas escritas por el hermano Johnston músico-. Después de considerar como posibles títulos, "Amor en venta" y "Dame una emoción", fué escogido el título: "Say She Is!", -la segunda mitad de una expresión popular con doble sentido que se inicia con: "¿No es una belleza?"-. [Una nota interesante es que en 1918 Al Jolson presentó su álbum "Sinbad", y dicha recopilación de temas contenía una canción llamada "I Say She Does", escrita por Gus Kahn ("Cenicienta en la calle"), junto con Al Jolson y Bud DeSylva, y publicado por Jerome H. Remick & Co]. La letra de la canción parece haber ído en la misma línea que muestran los Marx y pudo haberles servido como fuente de inspiración en este montaje:

"¿Le gusta que la mire todo el mundo? Voy a decir lo que ella és,
¿Estaba contenta de conseguir el anillo? Te apuesto a que ella lo és;
¿Y puede que baile con ella? ¿Puede que la toque?
¿Porqué tiene un montón de cosas que no puedo resistir?"

Waters escribió en la revista Variety: "El hilo de la trama de 'Say She Is!' se refiere a los esfuerzos de ocho hombres para darle a una joven y hermosa heredera una emoción en la vida, -a cambio se le concederá la mano de dicha joven y su fortuna al hombre que consiga emocionarla más-; Dichas emociones oscilan desde la emoción por los juegos de azar, pasando por el crimen en el submundo, la riqueza o la pobreza, hasta llegar al amor. Como es natural, estas situaciones son una oportunidad para representar una série de segmentos variados y atractivos".

"¡Y tanto que lo es!" fué el espaldarazo definitivo que llevó a los -entonces cuatro- hermanos Marx del vodevil a la fama en los teatros de Broadway y más tarde al cine, un éxito que les llegó en un momento en que estaba prohibido contratarles en los circuitos de vodevil importantes, -debido a una disputa con E. F. Albee-, y habían fracasado en un intento de producir sus propios espectáculos en el circuito alternativo Shubert. El espectáculo se estrenó en el Teatro Lírico en Allentown, Pennsylvania, antes de estrenarse en las cercanías de Filadelfia en mayo de 1923. Finalmente se estrenó en el Teatro Casino en Nueva York el 19 de mayo de 1924. La leyenda cuenta que los críticos de primera cadena de periódicos de Nueva York fueron designados para asistir a un espectáculo diferente en su estreno en el Winter Garden Theatre por la noche, y finalmente se estrenó "Say She Is!" cuando el show inicialmente programado se pospuso en el último momento.
-Sin embargo, ya que tanto el Jardín de Invierno como el Casino formaban parte de la cadena Shubert, parece más que probable que esta cancelación de última hora fuera de forma totalmente deliberada, cambiando las fechas para evitar la competencia con los demás espectáculos del momento-. En cualquier caso, los críticos, y en particular Alexander Woollcott, -que asistió a este estreno solamente porque sus contratos con los otros espectáculos fueron cancelados-, quedaron entusiasmados con el show, y en especial con la actuación de Harpo; Y así los Hermanos Marx se convirtieron en primeras figuras de la noche a la mañana.

Esta es también la última producción de los hermanos Marx en la que fueron acreditados con su nombre de pila. Harpo fue presentado como Adolph Arthur, Zeppo como Herbert, Groucho como Julius Henry, y Chico como Leonard. En su autobiografía "Harpo habla" (1961), Harpo, escribió que el crítico teatral Alexander Woollcott animó a los Hermanos a cambiar sus nombres en cualquier etapa de su producción posterior, cosa que hicieron a partir de su próximo espectáculo de Broadway, "Los cuatro cocos" (1925), -que más tarde se convirtió en una versión cinematográfica en 1929-.

El show era una mezcolanza de viejas rutinas de los Marx y números musicales, vagamente unidos por una débil trama que versaba sobre una chica rica que promete a una larga lista de pretendientes que se casará con el hombre que le dé más emociones en la vida. El punto culminante fue una viñeta con Groucho como Napoleón, -que el cómico siempre consideró siempre como la cosa más divertida que había hecho-. El espectáculo se estrenó el 19 de mayo de 1924 en el Teatro Casino en Nueva York y cerró el 7 de febrero 1925, después de 313 actuaciones.

Más adelante los Marx se convirtieron en las estrellas de más éxito en Broadway con los espectáculos "Los cuatro cocos" (1925) y "Animal Crackers" (1928); -Después de haber trabajado en los circuitos de vodevil durante casi un cuarto de siglo, esta sería la última véz que los Hermanos Marx actuarían en una revista para los teatros de vodevil. Una vez "Say She Is!" fué éxito de Broadway, nunca se fueron de allí. Tuvieron otros dos éxitos consecutivos en Broadway, "Los cuatro cocos" y "Animal Crackers", [que fueron filmadas durante los primeros años del cine sonoro, estas fueron sus dos primeras películas]. Con la última bajada de telón de la obra "Animal Crackers", su tercer y último espectáculo de Broadway, los Hermanos Marx se trasladaron a Hollywood, dónde disfrutaron de una larga carrera en el cine y la televisión-.

Will B. Johnstone y Groucho Marx

Sin embargo, a diferencia de estas obras de teatro, "Say She Is!" nunca fue llevada al cine, probablemente porque su estructura de revista hacía inviable su traslación del escenario a la pantalla. [A pesar de que los hermanos Marx eran las estrellas de este espectáculo, al tratarse de una revista, no participaban en las partes más significativas de la función, practicamente no participaban en los números musicales y no aparecían en absoluto en varias escenas. A pesar de esto, gran parte del material de los Marx Bros. en "I Say She Is!" existe de una forma u otra]. La apertura del show con la escena de la agencia teatral fue filmada después por la Paramount Pictures casi en su totalidad en: "La casa con sombras incorporadas" (The House That Shadows Built, 1931), -film en formato de corto realizado para celebrar el 20 aniversario de la fundación en 1912 de la Paramount Pictures, y también a modo de promoción de la película de los Marx "Monkey Business", entonces de inminente estreno-; Solo que en lugar de hacerse pasar por Gallagher y Shean, o Frisco Joe como ocurría en la obra teatral, aquí los los cuatro hermanos Marx se hacen pasar por Maurice Chevalier; [Escena reciclada para el film del mismo año "Monkey Business"].

La penúltima escena de Napoleón fue utilizada para un dibujo animado en 1970, en una producción para la televisión de 30 minutos con Groucho doblando su propia voz para esta recreación. -Harpo y Chico habían muerto para entonces, así que parte la parte de Chico fue doblada por Paul Frees, mientras que la parte de Harpo, [obviamente sin frases], fue reemplazada por efectos de sonido de silbidos y bocinazos-. [Al parecer Groucho quedó muy impresionado y complacido con el trabajo que realizó el doblador de Chico]. -Escena animada de Napoleón-Groucho: Especial de ABC-TV llamado "Los comediantes más locos, locos, locos", de Rankin-Bass (1970)-.

Para la producción de "Plumas de caballo" en 1932, los guionistas Johnstone y Perelman se unieron a Arthur Sheekman, Bert Kalmar y Ruby Harry. La escena en el apartamento de la viuda de la universidad (interpretada por Thelma Todd) se basa claramente en la escena de Napoleón en Waterloo de esta revista que comento; -Y teniendo en cuenta un gran interés de Will B. Johnstone por el rugby, también es posible que fuera suyo el espectacular final de "Plumas de caballo"-.

El último trabajo de los hermanos Marx para la de Paramount, "Sopa de ganso" en 1.933, contiene la escena de recepción para la embestidura del nuevo Embajador Rufus T. Firelfly -en gran medida inspirada por otra de "¡Y tanto que lo es!", aunque existan diferencias significativas-; [Asimismo, la escena del tribunal "¡Y tanto que lo es!" fue reciclada para la última escena de la obra teatral "Animales locos" de 1928; Esta escena y algunos diálogos también aparecen en la película del mismo título de 1930].

Personajes e interpretes:

Mendigo: Adolph Arthur Marx (más tarde Harpo); Doctor: Herbert Marx (más tarde Zeppo); Abogado: Julius Henry Marx (más tarde Groucho); Pobre: Leonard Marx (más tarde Chico); La bella: Lotta Miles; Rico: Edward Metcalfe; Patrón: Frank J. Corbett; Mayorista: Philip Darby; Ladrón: Edgar Gardiner; Estatua de oro: Ledru Stiffler; Comerciante autónomo: Harry Walters; Niña blanca: Cecile D'Andrea; Nanette: Alice Webb; Hazel: Hazel Gaudreau; Marcella: Marcella Hardie; Martha: Martha Pryor; Chicas oficina: Bunny Parker y Crissie Melvin; Pierrots: Evelyn Shea y Jane Hurd; Niños chinos: Ruth Urban y Florence Hedges; Pillos de la calle: Mildred Joy, Gertrude Cole y Las hermanas Bower; Vicetriples: Las hermanas Melvin.

Acto I
Escena 1 - Agencia teatral.

El primer acto comienza con una canción del coro llamada: "Hágalo".
Al concluïr esta sube el telón, el escenario representa la oficina de un agente de artistas con talento, en la que irrumpe Zeppo, proclamando ser un actor de musicales. Sin embargo, Zeppo dá una impresión terrible al agente interpretando un acto musical popular de la época. (Las imitaciones cambiaban a lo largo de las representaciones: Gallagher y Shean, Joe Frisco y Charlie Chaplin son algunas de las víctimas de los hermanos Marx.)

El agente está a punto de echar a Zeppo cuando entra Chico en la oficina proclamando también ser un gran talento musical, para acabar dando una impresión aún peor que Zeppo del mismo acto musical. A continuación, Groucho bromea participando también en la audición. Por último, Harpo irrumpe en la oficina, expresando a través de pantomimas su opinión sobre la audición.

Justo cuando la discursión encarnizada que sostienen los hermanos Marx se encuentra en todo su apogeo, irrumpe en el despacho del agente otro actor que está disconforme con la letra pequeña de las cláusulas de un contrato que Groucho le ha presionado para que firmara, exigiéndo explicaciones a su agente. El agente le invita a entrar y a unirse con los demás aspirantes.

Mientras el actor recién llegado revisa su contrato punto por punto con Groucho suena el teléfono. El agente agarra el auricular y trata de responder a la llamada mientras su representado, indignado, sigue leyéndole las cláusulas del contrato a grito limpio; Chico retira el escritorio, arrastrándolo; mientras Harpo hace sonar una bocina de taxi, hace toda clase de trucos de clown y comienza a romper cartas y telegramas -furioso, pues no sabe leer-. Hay un momento en que hay un ruïdo tan espantoso en aquella oficina que resulta insoportable.

http://youtu.be/BGwSGD-d52Y

A continuación, Groucho explica a los aspirantes a actores que no tiene trabajo para ellos pero que, sin embargo, existe "una bella joven adinerada que ha prometido darle su corazón, su mano y su fortuna al hombre que le proporcione la mayor emoción."

El agente les pregunta si recuerdan "la vieja fábula: 'de la miséria a la opuléncia', (con un rico, un pobre, un mendigo, un ladrón, un médico, un abogado, un comerciante, y un patrón"). El agente se auto-asigna el papel del rico, y el resto del elenco se llevará los otros roles; [Cada uno de ellos espera convertirse en 'el joven rico' del cuento, con el pretexto del papel que les ha sido asignado]. Con esta débil trama proyectan montar una revista musical conjuntamente.

Escena 2 - Con el telón bajado.

Los 8 hombres llegan a la residencia de la heredera, pero el mayordomo no está muy de acuerdo en dejarles entrar.

Escena 3 - Sala de estar de La Bella.

Los ocho pretendientes, -entre ellos el cuarto Hermano Marx-, entrar en la sala de estar de la heredera (conocida como "La Bella"). Los ocho hombres interpretan el papel que les ha sido asignado en la mencionada fábula e intentan cortejarla, pero ella les dice que necesita una emoción en la vida. La bella solicita que: "cada uno de los pretendientes saque un número", -para decidir quién tendrá la primera oportunidad de darle esa emoción ella coge la mano del jefe y no quiere soltarla. Entonces La bella y el jefe cantan a dúo: "La emoción del amor" o "Sólamente tú". (Las dos canciones fueron incorporadas entre los actos I y II, más adelante, a lo largo de las sucesivas representaciones del espectáculo).

Escena 4 - Con el telón bajado.

Todos miran los números que les han tocado en suerte, el rico exclama que: "tiene el número uno". Pero el ladrón demuestra ser un buen ladrón al secuestrar a La bella y llevársela hasta Chinatown.

Escena 5 - Una calle del Barrio Chino.

En el Barrio Chino, el ladrón muestra a La bella todo tipo de emociones insidiosas: La mafia sembrando el terror, disparos y asesinatos.

Escena 6 - En un fumadero de opio.

El ladrón se lleva La bella a un fumadero de opio. La bella dice que ella: "prueba cualquier cosa una vez", así que fuma una pipa de opio. Ella se queda dormida y tiene una alucinación: Un número de "Danza mitad China-mitad Apache". Al final de la danza, una de las bailarinas cae muerta.

Escena 7 - En un barco de ensueño.

Un actor que interpreta el papel de un chino, canta "Juguete sagrado" y lleva hasta el escenario a la bailarina muerta. A esto le sigue el número de baile: "El sueño del barco". La bella se despierta; El Ladrón vuelve a entrar en la escena, el acompañan Groucho y un policía. Groucho le dice al policía que arreste a La bella por el asesinato que ha tenido lugar.

Groucho: Usted va a ser condenada por homicidio.
Bella: ¿Qué le hace estar tan seguro?
Groucho: Yo voy a ser su abogado.

Escena 8 - La sala del tribunal.

La belleza entra en la sala del tribunal, acusada de asesinato. Harpo entra también en la sala, -es el juez-. Chico entra en la sala, -es el abogado defensor-, pero está principalmente interesado en jugar a las cartas con Harpo.

Groucho entra en la sala, -es el fiscal de distrito-, trata de condenar a la belleza por asesinato. Él la acusa de haber apuñalado al "Chino" con un revólver; Pero ella contraataca, proclamando su inocencia, alegando que: "toda la vajilla de plata de la sala de estar de su mansión ha desaparecido y que notó su falta después de que los 8 pretendientes salieran de la dicha sala".

Un detective entra en la sala del tribunal preguntando por tres trajes que fueron robados de las oficinas de los juzgados; Este encuentra inmediatamente una gran cantidad de objetos robados en los bolsillos de Groucho y Chico. A continuación, el detective coge la mano de Harpo y la agita mientras le pregunta: "¿Por qué un hombre honesto anda con tan malas compañías?"; -Al ser agitada su mano todo el cuerpo de Harpo se agita, cayendo de la gabardina del mudo la plata robada de La bella, pieza a pieza-.

Escena 9 - Con el telón bajado.

La bella y el jefe comparecen ante el telón y hacen planes para reunirse más tarde, después la Bella sale de escena en busca de más emociones.

Escena 10 - 'Día lluvioso'.

Los miembros del coro cantan "Hay que guardar álgo para un día lluvioso".

Escena 11 - Con el telón bajado.

Otra canción: una de las integrantes del coro femenino interpreta un solo titulado "Wall Street Blues".

Escena 12 - En Wall Street.

La bella alterna con los ricachones de Wall Street. La belleza mira al rico mientras este invierte en acciones, -¡y, además, éstas suben!-. Pensando que esto puede ser la emoción que está buscando La Bella dice que también quiere jugar; El rico le dice que los más grandes jugadores juegan a la bolsa.

Escena 13 - El juego de Wall Street.

Al término de la secuencia de Wall Street, con la que termina el primer acto, un ballet de danza con vestidos muy elaborados realiza una interpretación de los juegos de azar. Los bailarines de rendimiento permanecen inmóviles mientras lúcen vestidos con formas de dados, monedas, de ruleta y de estatua de oro; [¿Una parodia de los extravagantes números de baile a lo Busby Berkeley, en los albores del cine sonoro?].

Acto II

Escena 1 - Con el telón bajado.

El segundo acto se abre con una canción de la que no hay constáncia, interpretada por las Hermanas Melvin.

Escena 2 - Sube el telón.

Le llega el turno a Zeppo para tratar de atraer a La belleza. Lo hace dándole ropa y joyas de tierras extranjeras, -cada una de ellas llevada en el escenario por una corista-. La belleza se prueba varias prendas atrevidas pero no se emociona; Así que Zeppo se marcha, diciéndole:

Zeppo: Ahora el mendigo tiene su oportunidad. Con él conocerás la emoción de ser la Cenicienta al revés. Él te llevará de la riqueza a la pobreza. ¡Buenas noches!

Escena 3 - Cenicienta al revés.

Groucho, vistiendo un tutú sobre ropa interior larga, y fumando en pipa, entra por detrás de la cortina -se trata de una intencionada mala recreación del Hada Madrina del cuento de la Cenicienta-

La belleza le dice a Groucho que: "Habiendo siendo rica toda su vida, quiere experimentar la emoción de ser pobre". A continuación, le pide que: "La lleve hasta su príncipe azul", a lo que Groucho se niega, alegando que: "tiene otras cenicientas a las que hay que satisfacer". Él promete "Estar de vuelta a medianoche"; La belleza llama a su chófer para que: "Le traiga el Rolls Royce". Groucho le dice a la chica que: "No, que si quiere sentir la experiencia de ser pobre tendrá que caminar".

Groucho: No hay Rolls Royce, ni taxis, ni tranvía, ni patines, ni siquiera un Chevrolet, ¡ande usted, ande!
Bella: ¡Maravilloso, no he caminado en toda mi vida!
Groucho: ¡Ah!, ¿y entonces que hace usted cuando no vá en coche?
Bella: Voy a caballo.
Groucho: Asi me gusta, que vaya a caballo de la industria del automobil.

Un impagable Groucho haciendo de hada madrina

Escena 4 - Escena en Hawai.

En las primeras actuaciones, llegados a este punto de la revista, un cuarteto de baile realizaba un "Número de Maratón de baile". [En Broadway, este número fue sustituido por una danza hawaiana titulada: "Dieciséis niñas yanquis"].

Escena 5 - Con el telón bajado.

El Jefe busca a La Bella y la encuentra junto a una fuente de mármol; La belleza deséa saber si el jefe todavía la deséa. Cantan a dúo: "La emoción del amor" o "Sólamente tú". (Las dos canciones fueron incorporadas entre los actos I y II, más adelante, a lo largo de las sucesivas representaciones del espectáculo).

Escena 6 - La fuente de mármol.

Los bailarines de un ballet, representando a estatuas vivientes, realizan una danza titulada "El Despertar del Amor", [una recreación del mito Pigmalión-Galatea]. A continuación, Groucho, Harpo y Zeppo parodian esta danza, interpretando su propio número de baile, conocido como "La muerte del amor".

Escena 7 - El hipnotizador.

Chico dice ser un hipnotizador y acusa al Rico de haber hipnotizado a La bella haciendo que ella se créa Josefina, esposa de Napoleón. A continuación, en un intento por hipnotizar al Rico, Chico se hipnotiza él mismo. Las sesiones de hipnosis tienen unos resultados mixtos sobre los hipnotizadores.

Chico: ...Usted es un gato.

Rico: ¡Miau!

Chico: ¡Usted es un perro!

Rico: ¡Miau!, -quiero decir...-; ¡Guau! ¡guau!

Chico: Usted es una serpiente.

Rico: ¿Cómo és una "serpiente"?

Chico: Como un gusano, sólo que más... (El rico trata de retorcerse como una serpiente) ...Como un gusano muy gordo.

Rico: Sí, pero yo no creo que me parezca a una serpiente.

Chico: No, pero le daré mil dólares a cualquiera que pueda demostrar que yo no creo que usted es una serpiente.

RICO: "La hipnosis la inventaron los griegos."
CHICO: "No debe coger nada de los griegos. Ni siquiera las vueltas del cambio."

Escena 8 - Napoleón en primera línea de Waterloo.
http://youtu.be/sjp9em8uQlU http://youtu.be/0QtWZzF3o6I

Reparto: Napoleón (Groucho); François (Chico); Alphonse (Zeppo); Gaston (Harpo) y La bella Josephine (Lotta Miles).

Sinopsis: La bella entra en escena interpretando a Josephine, seguida de Groucho, -quién lleva el tricornio de Napoleón en la cabeza-. Este llama a sus fieles asesores: Francois, Alphonse y Gaston

-interpretados respectivamente por Chico, Zeppo y Harpo-, que nada más aparecer apenas pueden ocultar su fascinación por La belleza. Harpo no hace ningún intento para ocultar su atracción por Josephine, ignorando por completo la presencia de Groucho. Napoleón pregunta a La bella si le esperará cuando vuelva de la guerra victorioso, pero ella se hace la despistada. Groucho se vá varias veces del escenario para ir a la guerra, volviendo siempre, bien para despedirse de nuevo de su amada, o bien en busca de la espada que sigue olvidando una y otra véz. Cada vez que sale, los demás hermanos intentan atraer a La belleza violentamente; Groucho al principio parece no enterarse de los avances amorosos de sus asesores y del comportamiento alternativamente sospechoso de su esposa, pero cada véz le cuesta más a La bella ocultar a sus amantes. Hasta que Harpo olvida su arpa en el dormitorio y Chico comienza a estornudar. Sólo entonces Groucho descubre lo que está pasando...

TRIBUNAL DE RECEPCIÓN EN VERSAILLES

Entra un lacayo.

Lacayo de la emperatriz: (Suena una fanfarria): ¡La emperatriz! (Entra Josefina).

Campesinos: "¡¡Viva, viva!!"

La Bella baja las escaleras como una 'Vedette', precedida de dos vicetiples. Saluda a todo el mundo. Todos se inclinan ante la Emperatriz.
Lacayo: ¡El Emperador!
Groucho baja las escaleras haciendo eses.
Napoleón: ¡Lafayette, ya estamos aquí!
Groucho se cae por las escaleras. Los campesinos huyen en desbandada. Cuando Napoleón se incorpora todo el mundo se inclina de nuevo ante el Emperador.

Groucho le quita la pechera al lacayo.

Napoleón: Tú, quítate ése babero que todavía no és la hora de comer.

Josefina de Napoleón: ¿Te han herido? Me dijiste anoche que pensabas ír a Egipto. Prometiste regalarme una pirámide.

Napoleón: Éso aún está por decidir, pero ¿dónde están mis fieles asesores, François, Alphonse y Gaston?

Josefina: ¿Deseas su consejo?

Napoleón: Por supuesto que sí. Ellos siempre están equivocados.

Entra Alphonse, el primer lacayo, pasa de Napoleón y saluda a la emperatriz con los brazos abiertos sin mirar al emperador.

Alphonse: ¡Napoleón!

Napoleón: ¡Alphonse!

Entra François, el segundo lacayo.

François: ¡Napoleón!

François pasa de Napoleón y saluda a la emperatriz con los brazos abiertos sin mirar al emperador.

Napoleón:(Al público): Esta devoción que me tienen debería tocarme el corazón, pero lo que me tocan son otras cosas.

Entra el Lacayo Gaston, el tercer caballero. Harpo silba y se dirige directamente hacia la emperatriz.

Napoleón: Bueno, parece que todos han tomado el desvío.

Todos los lacayos quieren besar a la emperatriz y se lanzan sobre ella. Hay una gran cantidad de empujones entre los lacayos del emperador, Napoleón intenta inmiscuïrse pero es empujado fuera del grupo humano de admiradores de la emperatriz.

Napoleón: Bueno, Josephine, tengo que irme. ¿Dónde está mi caballo? Sin caballo soy solo un subteniente. Aquí te quedas aquí con estas tres serpientes. Más allá de los Alpes se encuentran más Alpes, y también el chocolate con leche. Te voy a traer un pedazo. Y, por cierto, si traen mi ropa me la envias a Rusia, pero tén cuidado al entregármela; Aquí si coses un botón a un lado en lugar de coserlo al otro no ocurre nada pero allí es terrible.

Josefina de Napoleón: Cuando tú te vas toda Francia está contigo.

Napoleón: Sí, y cuando me voy de casa toda Francia está contigo, y un pedazo de Italia también.

François: ¡Jaaa!, se refiere a mí.

Napoleón: Sí, es usted a quién me refiero. Ha tomado un atajo para poder ír a destajo; Y mientras mis tropas avanzan ellos se abalanzan.

Josefina de Napoleón: Id todos a luchar antes de que comencéis a pelearos en el palacio.

Napoleón intenta envaïnar su espada pero esta cae al suelo.

Napoleón: Adiós, mi reina. Vive la France!

Salen todos de escena menos Josephine. Musica.

Groucho sale de escena. Entra Alphonse

Alphonse: ¡Ah, Josephine!

Josefina: ¡Alphonse!

Alphonse: ¿Por qué lloras?

Josefina: Pensé que nunca ibas a venir.

Alphonse: Pensaba que Napoleón nunca se iría.

Se oye un golpe fuera del escenario.

Josefina: ¡Escóndete! Alguien viene.

Zeppo se esconde detrás del sofá,. Entra Groucho.

Josefina: ¡Oh! Eres tú. Pensé que estabas en el frente.

Napoleón: Fuí allí, pero nadie respondió al timbre, así que volví aquí.

Josefina: Bueno, ¿que estás buscando?

Napoleón: ¡Mi espada de Napoleón!. ¡He perdido mi espada!

Josephine: Querido, está justo donde la dejaste.

Napoleón intenta envaïnar su espada pero esta cae al suelo.
Napoleón: Adiós, reina mía. Vive la France!.

Groucho sale, entra Zeppo.

Alphonse: ¡Josephine!

Se oye un golpe fuera del escenario.

Josefina: ¡Alphonse, escóndete!

Zeppo se esconde detrás del sofá, entra Chico.

François: ¿Josie, se ha ido?

Josefina: ¿Quién?

François: ¡Cualquiera!. ¡Ah! Josie, eres tan bella. ¿Por qué no quieres casarte conmigo?

Josefina: ¿Y qué hacemos con Napoleón?

François: Muy bien, me casaré también con él. Él tiene dinero. En realidad, él es el joven con el que estoy prometido.

Josephine: Pero, eso es bigamia.

François: Sí, también quiero hacer contigo una bigamia. Por favor, Josephine, déjame que te toque algo. Me gusta mucho tocar. ¿Quieres que te toque alguna cosa en particular? ¡Muy bien!

Chico toca el piano.

Llaman a la puerta, entra Groucho y Chico se esconde detrás del sofá,.

Josefina: ¡¿¿Estás aquí otra vez??! Oh, Napoleón, que haces otra vez aquí?

Napoleón: Perdí mi espada.

Josephine: ¿Otra vez?

Napoleón: Tenía la oportunidad de hincharme a apuñalar rusos. Íba a apuñalar a uno justo al lado de las puertas de Moscú. Si encuentro mi espada, me vuelvo a Moscú y acabo con él. Prometió esperarme, pero no se puede uno fíar de los rusos. ¿Dónde está mi espada? ¡Ah! Ahí está mi espada. Adiós, mi reina.

Napoleón intenta envaïnar su espada pero esta cae al suelo.

Sale Groucho y entra Harpo.

Josefina: ¡Gaston! Pensé que nunca regresaría. ¿No quiere tocarme nada?

Harpo toca el arpa. De pronto, se escucha un golpe, Harpo hace sonar la bocina dos veces y se esconde detrás del sofá, entra Groucho.

Napoleón: ¡Mujer! ¿Quién ha estado aquí?

Josefina: Yo estoy aquí.

Napoleón: ¿Sóla?

Josefina: Sólamente yo.

Groucho se arrodilla y besa la mano de Harpo, la cual rodea la cintura de la Bella.

Napoleón: Recuerda, '¡se puede engañar a todos en alguna ocasión, y se puede engañar a algunas personas siempre, pero no se puede engañar siempre a todos!' Acabo de inventar eso. Lincoln me lo robó. Alguien ha estado aquí. ¡Ah! Es un arpa.

Josefina: ¿Tú no quieres tocarme nada?

Napoleón: ¿Crees que Napoleón puede estar allí y de pronto largarse? ¿Crees que es divertido ser Napoleón? ¿Cómo te gustaría que fuera Napoleón?, ¿A pié como el de hace ciento cincuenta años? Alguien ha estado aquí. Voy a investigar. Acabaré con estas liebres siberianas con rapé.

Napoleón pulverizando con ayuda de un flit para mosquitos lanza rapé por los aires.

Josefina: Me encanta tu inteligéncia militar.

Suenan fuertes estornudos.

Napoleón: Sal, sal, dondequiera que estés.

Suenan fuertes estornudos.

Josephine estornuda.

Napoleón: ¿Qué és eso, una nueva táctica?

Josefina: No, mi fiebre del heno.

Más estornudos.

Napoleón:¿Cuántas fiebres del heno tienes? (a su Oficial de guardia): Elimine a todos los cerdos que encuentre.

Los asesores agarran a Groucho y lo colocan delante de ellos. Groucho es detenido por su Oficial de guardia.

Napoleón: ¡Hey! Ha capturado a un cerdo realmente salvaje.

El Oficial de guardia enmienda su error y captura a los asesores de Napoleón. Harpo silba.

Napoleón: ¡A la derecha, las manos en alto sobre la cabeza!, ¡Adelante!

Los asesores, acompañados por el oficial, salen de escena.

Josefina de Napoleón: ¿Qué vas a hacer con ellos?

Napoleón: (Mirando hacia abajo en el patio de butacas. Hace señas a un imaginario pelotón de fusilamiento): Pronto te daré mi respuesta.

Groucho suelta una carcajada. Suena un primer disparo fuera del escenario.

Napoleón: Ahí va Alphonse.

Suena un segundo disparo fuera del escenario.

Napoleón: Ahí va François.

Suena un tercer disparo fuera del escenario.

Napoleón: Ahí va Gaston.

Después del tercer disparo, dos soldados corren a través del escenario perseguidos por Harpo, que dispara dos veces más desde el centro del escenario a los soldados. Señal músical.

Existía un final alternativo: La bella tiene miedo de que Groucho la mate por adúltera, pero él dice: "¿Matarte? Lo que voy a hacer es vender el sofá. Se esconde demasiada gente detrás de él", cosa que a La bella le disgusta más que si su marido la asesinara.

Escena 9 - Final.

La revista se cerraba con otra canción acompañada de un número de baile que fué cambiada en todos los bolos que se hicieron del espectáculo. Durante su permanencia en Broadway la canción interpretada se llamó: "Un poco de Jazz y de Tango".

A continuación los ocho caballeros pretendientes entran con La bella, esta les dice que el concurso ha terminado. Ha encontrado la mayor emoción de la vida, esa emoción es el amor y ella ha encontrado la emoción del amor con el patrón.

Dibujos de Will B. Johnstone

Theatre section by Kofi Aulait

COMÉDIA FRANCESA CLÁSICA I

2011-12-08T14:21:00.000-08:00

"Drama divertido" o "Familia Exótica". (1.937) 105 min.

Título original: "Drôle de drame ou L'étrange aventure du Docteur Molyneux".

Dirección: Marcel Carné

Guión, adaptación y diálogos: Jacques Prévert;

A partir de un argumento tomado de "Su primer delito", libro de J. Storer Clouston, publicado en 1893

Fotografía y cámara: Eugen Schüfftan, Louis Page, Henri Alekan (B/N)

Asistentes del director: Pierre Prévert et Claude Walter

Decorados: Alexandre Trauner

Música: Maurice Jaubert

Vestuario: Lou Tchimoukov

Sonido: Antoine Archimbaud

Producción: Édouard Corniglion-Molinier

Género: Comédia enloquecida

Interpretes y sus personajes: Françoise Rosay: (Margaret Molyneux); Michel Simon: (Irwin Molyneux, profesor de Botánica, alias Félix Chapel, el novelista); Louis Jouvet: (Obispo Archibald Soper, el arzobispo de Bedford); Jean-Pierre Aumont: (Billy, el lechero enamorado de Eva); Nadine Vogel: (Eva, la secretaria); Pierre Alcover: (Bray, inspector de Scotland Yard); Jean-Louis Barrault: (Willliam Kramp, el asesino de carniceros); Henri Guisol: (Buffington, el detective alcohólico y somnoliento); Jane Lory: (Tía Mac Phearson); Jenny Burnay: (Sra. Pencil, la cocinera de los "Molyneux"); Anne Cariel: (Elizabeth Soper, la esposa del Arzobispo); Marcel Duhamel (El entusiasta de los entierros); Agnès Capri: (la cantante callejera).

Sinopsis:

Una farsa francesa ambientada en el Londres victoriano, dónde un botánico y su mujer se meten en problemas pretendiendo ocultar al beato primo de él que al estar arruïnados Irwin ha escrito una exitosa novela negra, bajo el seudónimo de Félix Chapel; -el primo de él es un obispo anglicano que está dirigiendo una furibunda batalla contra este texto-.

Justo cuando el mayordomo y la cocinera de los Molyneux acaban de dejar a la familia colgados porque nunca pasa nada divertido en la casa, el rábano tieso e hipócrita de Archibald Soper se invita a sí mismo a cenar en casa de Irwin. Margaret decide mantener la farsa de la posición social en secreto cocinando ella misma la cena, mientras que el torpe Irwin justifica su ausencia diciendole al obispo Soper que su mujer está de viaje.

Louis Jouvet

Soper, -que en su cruzada contra el crimen vé asesinos por todas partes- sospecha que Irwin ha envenenado a su mujer y llama a Scotland Yard. Irwin y Margaret deciden esconder la verdad para evitar una exposición pública de su situación financiera, así que se trasladan a un hotel barato del Limehouse, para seguir metiéndose en problemas.

Una atractiva mezcla de los universos de Gilbert K. Chesterton, P.G. Wodehouse, W. C. Fields y los Hermanos Marx, nunca vista -ni antes ni después- en el cine francés. Un cóctel excelente con todos los ingredientes combinados en su justa medida. / Este film es un placer absurdo./ Una película francesa ambientada en un Londres que nunca fué tal./ Farsa alocada./ Una película increíblemente chiflada que, pesar de algunos agujeros de la trama, resulta tan deliciosamente extraña como divertida./ Una fantasía agradable e inocente./ La flor y nata del cine francés de entreguerras se reúnen aquí./ Esnobismo rampante.

Vaya por delante que considero a Michel Simon como uno de los mejores actores de todos los tiempos y del mundo, sus creaciones son tan increíbles como insuperables, -ahí están todas las versiones de su personaje en "Boudu salvado de las aguas" (1.932) de Jean Renoir, para aseverar lo que digo; Ni Nick Nolte en "Un loco suelto en Hollywood" (1.986) de Paul Mazursky, ni Gérard Depardieu en "Tenemos un problema gordo" (2.005) de Gérard Jugnot, consiguen hacer olvidar la gran creación de Michel Simon en la primera versión cinematografica de la obra de teatro de René Fauchois, ni de lejos-. Esta joyita que comento fué una gran sorpresa para mí ya que nunca he podido soportar el hiperrealismo poético de Jacques Prévert y Marcel Carné en obras -a mi parecer- tan sobrevaloradas como "EL MUELLE DE LAS SOMBRAS" (1.938) -ésa imposible, e indigesta, mezcla de historia de amor naïf, de cine de gangsters y de sentimentalismo a lo Charles Chaplin ('A Dog´s Life', 1.918, como referente) -; y "LOS NIÑOS DEL PARAÏSO"(1.945) -puro cartón piedra desde el argumento, pasando por el propio decorado, hasta llegar a las obsoletas interpretaciones-
Aunque aclamados como los máximos exponentes del realismo poético, las películas que elaboraron el tándem Carné y Prévert se pueden ver hoy en día flagrantemente artificiales. En este caso, dieron rienda suelta al artificio y a la disgresión. La sensación de libertad, ausente en sus obras más famosas, resulta en "Drama divertido" muy vigorizante. Tampoco he aguantado nunca a Louis Jouvet, rezumando siempre su impostada afectación teatral por los cuatro costados, -sencillamente no me lo he creído nunca en ninguno de sus papeles en el cine-. Con muchas reservas, -aún siendo un incondicional de todos los trabajos de Michel Simon- me armé de coraje y me dispuse a visionar este "Drama divertido". La sorpresa, como digo, fué muy grata. Esta es mi opinión:

Tenemos a un timorato botánico, -autor bajo nombre falso de un tremendo best-seller de lo mas 'pulp' y morboso-, que deberá llevar una burda barba postiza durante el resto de sus días al ser vampirizado por su 'alter ego', -parece que no es reconocido simplemente por ponerse una barba postiza-; A un obispo hipócrita -respetado padre de familia y baluarte de una sociedad bienpensante- que ha perdido la foto de una actriz en el lugar dónde, supuestamente, se ha cometido un crímen (aunque no hay ningún cadáver); A un joven pilluelo anarquista que se dedica a asesinar a a los carniceros ('ya que estos matan a los animales') enamorado de la mujer de su próxima víctima; A un lechero aficionado por igual a la poesía amorosa y a la criminología, que entrega a diario un centenar de botellas de leche a su musa; A un policía que resuelve sus casos durmiendo la borrachera; A una tía rica y chiflada que va buscando un perro que murió seis años antes; A una planta carnívora -cuyo crecimiento ha sido estimulado a base de cócteles de whisky y ginebra- que se balancea de un lado a otro como si estuviera en pleno baile de San Vito; A una opinión pública muy agresiva y voluble, capaz de apedrear a la policía y a los integrantes de una colosal farsa cuando no les satisface el final del caso y de la película; Y a unos criados que se fueron de la casa del matrimonio Molyneux porque ¡nunca pasaba nada divertido!

Marcel Carné aquí hiló fino al desviarse de los añejos dramones que el otorgaron tanta fama mundial. Un profesor de guión no pondría nunca esta película como ejemplo a sus alumnos: La película tiene un guión muy deslavazado, la trama es absurda, la historia está llena de agujeros absolutamente incomprensibles, hay escenas, francamente, construidas a toda prisa. Las metamorfosis de los personajes carecen de toda lógica (parece que todos tengan personalidad múltiple y se hace muy difícil para el espectador seguir a los personajes cuando el guión les determina un cambio de intención a lo largo de sus aventuras). Pero estos rotos y descosidos forman parte del encanto de esta película, que transmite en todo momento alegría y un humor muy sano. A Carné creo que no le importaba hacer una gran película, y la psicología, la lógica, o incluso la historia son completamente sacrificadas en pos de la hilaridad. "Drôle de Drame ou L' étrange aventure du Docteur Molyneux" es una divertida comedia teatral, una farsa vodevilesca. La mayoría de los personajes son hipócritas, codiciosos, perezosos o simplemente incompetentes; Las situaciones en las que se involucran son tontas; la carpintería de comédia es, a priori, muy débil e ingenua; Pero es muy divertida. Un extraño e inexplicable milagro. La absurdidad de la trama de esta película también me recuerda a películas americanas como "Arsénico por compasión" (1.944) de Frank Capra, o a "La fiera de mi niña" (1.938) de Howard Hawks.

"Drama divertido" no es una comedia de boulevard al úso, pero los actores son tan extraordinarios que otorgan a todos estos gags imposibles, de los que la película se nutre, una magia impresionante: Louis Jouvet es un meapilas ataviado con una falda escocesa que se ha autoerigido en guardian de la moral, tiene diez hijos y en su casa hay diez perchas; Michel Simon canta: "Duerme, duerme, palomita" a una planta carnivora borracha; Y a Jean-Louis Barrault le parece muy importante matar a los carniceros. Estos actores consiguen todo el espacio que necesitan para desarrollar su talento cómico, haciendo de una comedia de situación típica una gran burla que les permite dar rienda suelta a su talento. El premio es, por supuesto, para Michel Simon, del que conocía su genio, pero aquí resulta sencillamente deslumbrante. Sólo tiene que pronunciar la palabra "mimosa" para que el espectador empatice con él inmediatamente; (Carné lo sabe y, a menudo, le filma en primer plano). Tiene razón en destacarle: la construcción de su personaje es genial, una maravillosa mezcla de histrionismo y de verdad interior, este personaje de tímido pequeño burgués forma parte de su galería de personajes inmortales; Simon conoce la fórmula secreta para alegrar cualquier guiso: agrega pequeños detalles, todos geniales y divertidos (la forma de acabar con sus frases con un nada tímido "Oui, oui", su forma de llevarse las manos a los ojos -aquí lo repite hasta el exceso-, su manera de caminar arrastrando los pies o a saltitos). Con un actor de esta categoría el espectador casi ni se preocupa por la historia: al contrario, se inclina con respeto ante un monstruo de la escena y del cine como este. Françoise Rosay está muy ajustada también como la señorona venida a menos -una snob imperiosa- que sólo se preocupa por salvar las apariencias, Francoise Rosay se comporta como una gran dama, obsesionada por la posición social y por la propiedad, sin embargo no puede evitar despertar la lujuria del joven Jean-Louis Barrault, -al que se vé un poco inexperto en comparación con sus experimentados compañeros de reparto-, pero su personaje resulta cariñoso, dentro de su insolencia (Barrault interpreta a un loco obsesivo, digno de Mischa Auer). -La escena en el invernadero con un estanque con peces de colores entre Rosay, y un Jean- Louis Barrault completamente desnudo, es una maravilla. Jean-Pierre Aumont interpreta con mucha grácia ese lechero enamorado que le dá a su amada lo único que tiene: Un sinfín de botellas de leche.

Françoise Rosay

Los diálogos de Prévert son deliciosos (los monólogos del Alto Comisionado de Scotland Yard, interpretado excelentemente por Pierre Alcover, resultan muy divertidos), y la transparencia de la puesta en escena habitual en Carné se transforma aquí en sobriedad, que aquí resulta ser una virtud; Por lo menos se aleja de sus pesados intentos épicos ("Los niños del paraíso") para dedicarse por completo a hacernos disfrutar de una comedia. Y hay más en su favor: En esta ocasión se muestra bastante más inspirado en cuanto a los movimientos de la cámara que en sus filmes más sérios: los campos/contracampos que planifica durante el enfrentamiento Jouvet/Simon en torno a una palabra repetida ("Raro, raro ...") son muy finos y están muy bien montados. En pocas palabras, un film que contituye un placer sin consecuencias, una película servida por grandes actores de carácter; Trauner como decorador no tiene rival, sus creaciones para rodajes en Berlín, en Francia y en Hollywood son magistrales.

Nada más que agregar, es un gran trabajo.

Frases para el recuerdo:

Margaret Molyneux: "Lechero, mantenga sus botellas en silencio".

http://youtu.be/4QiuzDEWD8I
Obispo Soper: "Raro, raro..."
Irwin Molyneux: "Raro, ¿que dice usted?"
Obispo Soper: "¡Que raro, mi querido primo!"

Willliam Kramp: (A un nervioso Docteur Molyneux): "La vida es tan extraña. Hay gente a la que veo sólo una vez. Yo los miro. Están vivos. Y cuando me voy, están muertos."

Jean-Louis Barrault

Jean-Pierre Aumont

Michel Simon

UN PARAGÜAS CON UN SEÑOR DEBAJO

2011-12-05T05:08:00.000-08:00

(Surrealismo y humor negro por obra y grácia de Xavier Sans Ezquerra & Bruno Alcoser Villette).

Una madrugada llegué borracho a mi casa y mi mujer me esperaba armada con un paragüas, de ésos terminados en punta. Nada más entrar en casa perdí el conocimiento.

A la mañana siguiente, al despertarme tenía un paragüas clavado enmedio de la cabeza; ¡Imagínense lo féo que estaba!

Como no pude entrar en mi coche para ír a trabajar tuve que coger el autobús. El conductor fué el que me soltó la primera guasita del día: -"¿Adónde vá así?; ¡Si dijo el hombre del tiempo que hoy iba a hacer bueno!"

Pero las ganas de pitorreo se les quitaron a todo los usuarios de aquel autobús cuando, al no encontrar asiento en el fondo, tuve que sentarme enmedio de ellos; Y al primer frenazo le dí un fuerte golpe con el mango del paragüas al señor que tenía detrás de mí, e inmediatamente, la señora que tenía enfrente también recibió un fuerte 'paragüazo'.

Tras los airados reproches, las no menos airadas protestas y los humillantes insultos que recibí por parte de los viajeros y del conductor tuve que apearme.

Llegué tarde a la oficina y m senté en mi mesa dispuesto a hundirme, un día más, en un mar de legajos. Cuando llevaba un rato allí, me cabreé con mis compañeros:
-"¡Ya está bién!",-les dije-;"¡Mi cabeza no es una percha; Meteros los abrigos por dónde os quepan!";-Les grité-.

A mediodía, cuando fuí a la cafetería a comer; El paragüas se había abierto, ¡claro, con tanto golpe y trajín!. Incluso se habían salido de su sitio algunas varillas, y estaban dobladas. Nada más verme el dueño del Self Service me gritó: -"¿Es que no sabe ud. que trae mala suerte entrar en un recinto cerrado con un paragüas abierto?; ¡Vaya, justo hoy que hacemos la porra del partido de fútbol viene este y nos la quiere gafar!. ¡Fuera, aquí no quiero a nadie que sea del equipo contrario!"

Total, que me echaron del bar con las cajas destempladas y tuve que comerme un sandwich de la máquina de 'Vending', -regado con el horrendo café que despachaba otra máquina expendedora en el área de descanso de la empresa dónde yo trabajaba-.

¡Trabajaba allí!, -lo digo bién, así en pasado-, porque cuando el Big Boss me citó media hora más tarde en su despacho fué para finiquitarme como si yo fuera un apestado, y además me sermoneó: -"¡Mire usted, bla-bla-bla...! ,-me decía en un tono implacable y paternalista-; ¡Esta es una empresa muy conservadora, bla-bla-bla...; La heredé de mi padre y pretendo que siga siendo conservadora, bla-bla-bla...; Un excéntrico como usted no tiene lugar aquí, bla-bla-bla...!"

Mucha diplomacia pero al cabo de media hora ya me encontraba de patitas en la calle y con el sobre con la idemnización en el bolsillo de la americana.

Inmediatamente me fuí a ver a un médico, al verme este mostró gran sorpresa:

-¿Llueve?;-Me espetó aquella lumbrera de galeno-.
-¡En el coño de alguna, tal véz!;-Respondí yo, visiblemente airado-.
-¡Salga de aquí inmediatamente si no quiere que avise a la policía, fantoche maleducado!; -Dijo, furioso, el eterno aspirante a Premio Nobel de Medicina-.
-¡Pero oiga!, -le repliqué yo-; ¡El cartel que hay en su puerta no dice que: 'Se hacen EXTRACCIONES'!"
-¡Yo soy 'Odontólogo', so listillo!; -Aclaró al fín la lumbrera de la ciéncia médica aquella; Por el tono que empleó parecía dispuesto a hacerme inhalar una bombona entera de éter-.
Y tuve que disculparme mientras aquel émulo de Torquemada me echaba a la calle a patadas,
-nuevamente-; Sólo que éste lo hacía cagándose en mi madre y en mi padre.

A continuación fuí a "Urgéncias" dónde me dieron cita para ¡dentro de ocho meses!

-"Hay una lista de espera muy larga", -me dicen allí-.
-"Ni que esto fuera el restaurante "El Bulli" del Ferran Adriâ"; -Repliqué nuevamente-.
Pero me tengo que ir para casa, cabizbajo, sin empleo y humillado por todos.

¡Cabreado como una mona como estaba, ¿pues no llego a casa y me dice mi mujer que bañe al niño?!

Nuestro hijito de cinco años empieza a saltar de contento mientras grita esta algarabía:
-"¡Si llenamos 'éso que tiene papá en la cabeza' de agua tendré una piscinita!"
Y entonces yo le lanzo, con muy mala leche, al monstruíto la siguiente advertencia:
-"Y si te hago beber agua de una manguera hasta que te hínches como un puto globo aerostático, para a continuación colocarte completamente desnudo enmedio del jardincito comunitario, en cuanto te pongas a mear tendremos una mala réplica del jodido 'Manekenpis' de Amsterdamm!"

Como es muy lógico mi mujer me castigó con dormir en el sofá hasta que no me hubieran sacado el paragüas de la cabeza.

Pero al cabo de una semana la madre de mi hijo le encontró una nueva utilidad al objeto que ella misma me había incrustado: Sobre la tela y las dobladas varillas de aquel paragüas abierto bocabajo, echó tierra, abono, semillas, y agua sulfatada con el fín de plantar flores de jardín sobre mi cabeza.
A continuación, quiso que me instalara en la terraza para que, -aparte de no molestarles ni a ella ni al niño-, las incipientes florecillas recibieran mucho sol.

FU, ADORABLE BASTARDO

2011-11-20T02:20:00.001-08:00

"HOUSE OF CARDS" (1990); "TO PLAY THE KING" (1993); "THE FINAL CUT" (1995).

12 episodios, total: 640 min. País: Reino Unido.

Dirección: Paul Seed y Mike Vardy.

Guión: Andrew Davies, sobre las novelas de Michael Dobbs.

Fotografía: Ian Punter, Jim Fyans y Keith Thomas (C.)

Música: Jim Parker.

Dirección artística: Ken Ledsham y Susan Hanner.

Producida por: Ken Riddington y Jeremy Gwilt para la B.B.C. (British Broadcasting Corporation).

Interpretes: Ian Richardson (Francis Urquhart); Susannah Harker (Mattie Storin); Diane Fletcher (Elizabeth Urquhart); Miles Anderson (Roger O´Neill); Alphonsia Emmanuel (Penny Guy); Colin Jeavons (Tim Stamper); David Lyon (Primer Ministro Hanry Collingridge); Mitchael Kitchen (El rey); Kitty Aldridge (Sarah Harding); Nicholas Farrell (David Mycroft); Rowena King (Cloe Carmichel); Leonard Preston (John Stroud); Erika Hoffman (Lady); Jack Fortune (Ken Charterhouse); Nick Bimble (Corder); Berenice Stegers (Princesa Charlotte/ La princesa gorda); David Ryall (Sir Bruce Bullerby/ El pit-bull); Paul Freeman (Tom Makepeace); Isla Blair (Claire Carlsen); Nikolas Grace (Geofrey Booza Pitt); Yolanda Vazquez (María Passolides); Leon Lissek (Evanghelos Passolides); Kevork Malyan (Nures).

SINOPSIS:

"HOUSE OF CARDS" Francis Urquhart es el político perfecto. Impecablemente diplomático, encantador, admirado, de confianza y respetado por todos. Ha servido fielmente a su partido, sin duda, pero los acontecimientos que se avecinan están a punto de despertar su ambición. Cuando Margaret Thatcher muere la caza para reemplazarla ha comenzado.

Urquhart es un conservador de línea dura que cree que un lider debe ser fuerte. Según su opinión, ninguna de las opciones está a su altura. Naturalmente se guarda sus opiniones para sí; Como jefe de grupo de su partido su soporte es muy valioso, pero tiene que caminar con mucha cautela, pues dar soporte a un perdedor podría costarle su puesto. Al dar soporte a la opción ganadora pretende conseguir un puesto en el gabinete del nuevo primer ministro.

Pero el nuevo primer ministro, Collingridge, cree que Urquhart es demasiado valioso en su puesto actual y le niega un puesto ministerial. Urquhart está furioso, pero oculta su menosprecio por su jefe con su habitual sonrisa de cocodrilo cortesano.

Collingridge, en su opinión, no durará mucho en el cargo, y él se dispone a ayudar a acelerar su salida.

Una periodista joven y sin experiencia, Mattie Storin, servirá sin saberlo, a los súcios manejos de Urquhart, cuando lo que pretendía era aprender como funciona la política en Westminster.

Urquhart utiliza a Mattie para filtrar historias comprometedoras sobre sus rivales; Estallan una série de escándalos.

Collingridge tiene sérios problemas como político y no tiene más remedio que dimitir como primer ministro. Irónicamente aún tiene una gran fé en Urquhart.

Como los escándalos y las historias de filtración hacen estragos, Mattie Storin comienza a sospechar que alguien se la ha jugado a Collingridge, pero está demasiado involucrada sentimentalmente con Francis Urquhart (a quién llama "Papaíto" en los momentos de intimidad

-parece tratarse de un caso de complejo de Elektra-) para darse cuenta de que está siendo utilizada. Esta relación cuenta con la bendición de la señora Urquhart.

Las intrigas despiadadas de Urquhart funcionan. Todos sus rivales principales han sido desacreditados, pero aún no tiene una garantía absoluta de su victoria.

Mattie descubre que su "papaíto" no es lo que parece. Urquhart, que tiene mucho que perder si los sentimientos se interponen en su camino, llegará hasta cualquier extremo para impedir que ella, o cualquier otra persona, sepan exactamente lo que ha hecho para ser el nuevo primer ministro de su majestad.

Comentario: Este monstruo es terriblemente creíble. Esta es una série tan inteligente, reveladora y cínica como su personaje principal. Se basa en el libro honónimo de Michael Dobbs, quien tuvo acceso a información privilegiada, ya que estuvo a punto de ser vicepresidente del partido conservador. Se conocía claramente el tipo de canalladas que pueden ocurrir en las altas esferas del poder.

La mejor baza de la série es, sin duda alguna, la actuación de Ian Richardson, un actor tremendamente versátil; Esta es, a mi parecer, su mejor creación.

Los demás interpretes son excelentes, el guión es de la más alta calidad y toda la producción es excepcional; Superlativo todo.

Recientemente ha sido votada como una de las mejores séries de todos los tiempos por el B. F. I.

Merece situarse con toda justicia al mismo nivel de "Yo Claudio" y "El padrino I y II".

Rompiendo la cuarta pared - Machbeth, Lady Machbeth, Ricardo III, Maquiavelo y Rasputín en nuestros días - Un drama jacobino ambientado en los años 90.

Francis Urquhart atrae inmediatamente al espectador por sus comentarios irónicos a cámara, confidencias discretas entre actor y espectador, y te obliga a acompañarle en esta historia de política ficción, divertida y totalmente oscura. En ocasiones nos dedica una cínica sonrisa de complicidad. A continuación se vale del abuso y la manipulación del sistema político para lograr sus propios objetivos políticos.

Como en las obras fundamentales su perspectiva sobre la corrupción de un individuo y de un entorno es realista. En esta entrega hay algo de humor negro británico.

Urquhart es tan despiadado como sumamente encantador y simpático. Maldad y encanto a partes iguales.

Francis Urquhart es un malévolo monstruo escocés, un dinosaurio ultraconservador oscuro y retorcido al que la ambición le otorga un gran atractivo sexual. La erótica del poder, ya saben.

La série cuenta con un muy buen elenco de apoyo:

Diane Fletcher como la esposa de Urquhart es idéntica a Lady Machbeth, empuja a su marido a jugar fuerte y súcio, al chantaje y hasta al asesinato; Un personaje tan fascinante como el de su marido de ficción.

Susannah Harker es una joven y atractiva periodista que comienza a utilizar a Urquhart como fuente para enterarse de lo que ocurre en la cámara de los Tories hasta que empieza a ír en una dirección peligrosa que conduce a un final de primera entrega increíble.

Miles Anderson como el pusilánime Roger O´Neill y Alphonsia Emmanuel como Penny, su novia; Están atrapados en las trampas de Urquhart y terminan siendo víctimas de él.

Otros personajes excelentemente interpretados son: Henry Collingridge, el líder del partido, ñoño y bienintencionado; Aún siendo inocente de un asunto de fuga de capital se vé obligado a dimitir por escándalo.

Malcolm Tierney como Patrick Woolton el ministro de defensa que odia a sus colegas de partido.

Y Colin Jeavons, como el viscoso Tim Stamper, el protegido de Urquhart, que como Urquhart con Collingridge espera ser recompensado algún día por los servicios prestados.

HOUSE OF CARDS es un buen ejemplo de lo que el thriller político debe ser: Desprecio seco y divertido por la política y transmisión de un mensaje eterno. Esta entrega es superior a sus dos secuelas.

Moraleja: Las cuestiones políticas reales no desempeñan ningún papel en las acciones de los políticos, todo lo basan en la reputación y en el tráfico de influéncias.

Pero mordacidad aparte, la série es terriblemente ingeniosa y entretenida.

La política es un castillo de naipes y Francis Urquhart es el comodín. Aunque no hacía falta, a mi parecer compararle visualmente con una rata súcia, puesto que el público ya se dá cuenta de como és.

Frases para el recuerdo:

FRANCIS URQUHART: "Usted puede pensar eso. Yo me abstengo de hacer comentarios".

PATRICK WOOLTON: "¡Vaya estúpido! (se refiere al primer ministro Henry Collingridge): ¿'Mantenernos todos juntos'?, parece el lema de un prostíbulo de Marrakesh".

FRANCIS URQUHART: "La única ambición de Collingridge éra la de caer bien a todo el mundo, eso se le puede pedir a un cocker spaniel o a una prostituta pero no a un primer ministro de su graciosa majestad".

MATTIE STORIN: (A Urquhart): "Quiero llamarte 'papaíto' ".

http://youtu.be/fmo1rVc-kNI

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SINOPSIS: 'TO PLAY THE KING': En "JUGADA DE REY" la segunda entrega de la sátira política "CASTILLO DE NAIPES" el viejo y deliciosamente malvado Francis Urquhart, que llegó al poder en la primera entrega, parece tener todo lo que quiere: Es el primer ministro, no tiene rivales inmediatos y todos los que conocen sus crímenes o bién están de su lado, o bién están muertos.

Sin embargo, un nuevo desafío se le presenta cuando la reina muere y el nuevo rey (Michael Kitchen componiendo un perfecto Prícipe Charles) demuestra ser un forúnculo en el culo de Urquhart ("El rey tiene idéas", -piensa el primer ministro-).

El rey está preocupado por los efectos secundarios de la política del primer ministro: La escasez de la vivienda, la pobreza y una brecha cada véz mayor entre los ricos y los pobres.

Cuando critica a Urquhart en público se hace evidente para este que el rey debe abdicar; Y rápidamente Urquhart, -que puede ser un firme defensor de la monarquía como concepto pero sabe que un soberano individualista supone una amenaza para su administración- se pone manos a la obra para lograr la abdicación.

La princesa gorda (basada en Sarah Ferguson, la Duquesa de York) ex-mujer del rey forma parte del siniestro plan urdido por Urquhart. El terrorismo de estado entra también dentro de sus planes. Pero alguien muy cercano al primer ministro posée información que podría acabar con este.

Comentario: Mas profunda, más rica en matices, con un núcleo emocional sorprendente en una comedia. Menos humor negro, más sátira. Con un transfondo emocional oscuro e inquietante. El ritmo es un verdadero problema.

En esta ocasión el guión de Andrew Davies se burla de las travesuras de la familia real británica desde el punto de vista de un villano que la fustiga sin piedad.

Encuentro particularmente deliciosos los duelos verbales entre el rey y el primer ministro, auténticas batallas épicas de voluntades y palabras dígnas de George Bernard Shaw.

No obstante, la monstruosidad anteriormente demostrada por Urquhart ha adquirido proporciones shakesperianas. El asesinato que puso fin a la primera parte continúa persiguiendole como el fantasma de Banquo a Machbeth.

Una secuela poco común que no consigue escapar de la redundancia.

Richardson sigue estando maravilloso, nos deleitamos con un rostro que revela todo el arco de una ceja o el hundimiento de una mejilla. La maldad de la vejez puede acabar con el entusiasmo de la juventud. Urquhart es uno de los malvados más terribles y aterradores de la televisión.

La encuestadora Sarah Harding sucumbe al poder de Urquhart, lo mismo que la periodista Mattie Storin, pero es una relación fría en comparación con la que existía entre Mattie y el primer ministro; Y el final, extrañamente carece de los extremos emocionales presentes en la primera parte.

Dicho esto, "TO PLAY THE KING" es muy agradable, la angustia del rey está maravillosamente interpretada por Michael Kitchen, a pesar de que parece demasiado inteligente para ser miembro de la familia real británica.

Colin Jeavons en esta entrega resulta espeluznante, frío y furioso en su papel de Tim Stamper, el jefe de partido que lleva a todos sus miembros a golpe de látigo y que es rechazado por Urquhart para un puesto más alto.

Diane Fletcher continua estando maravillosa haciendo de una Lady Macbeth metida a primera dama; Es una mujer que no tiene sentimientos, ni remordimientos, ni empatía hacia nadie; Aunque está viviendo un romance con Corder, el jefe de seguridad de su marido, -un asesino de la extrema derecha-, con el consentimiento de Francis Urquhart.

David Ryall interpreta con mucha gracia a Sir Bruce Bullerby "el pit-bull", infame y borrachín director de un periodicucho sensacionalista. Bernice Stegers, como la princesa gorda, Charlotte, está fantástica en sus breves apariciones.

En una cruel escena están la princesa gorda y Sir Bruce en la alcoba de ella, en pleno intercambio carnal, mientras en la sala de estar el ridículo consorte de la princesa Charlotte, Lord Quillington (Frederick Treves), mira en la televisión un documental de la B.B.C. sobre el apareamiento de los elefantes marinos.

La série se burla de Diana de Gales y de Sarah Ferguson, quedan como dos chantajistas.
El hecho de que el rey cuente entre sus asesores de confianza con una negra comunista y un gay no va a ayudar mucho al monarca.

Hacia el final el espectáculo se debilita un poco. Lo importante de las diversas subtramas que se abren en los dos primeros episodios de esta segunda entrega se resuelven al final deprisa y corriendo. Las buenas personas se convierten en víctimas y el rey tiene una conclusión triste; Aquel que no quiso hacer las cosas mal ahora no puede hacer nada bueno. El Primer ministro ha tenido que enfrentarse a la posibilidad de traición por parte de los más cercanos a él. Parece que nadie puede con Francis Urquhart.

Un consejo: Si te dedicas a la política no cojas el coche oficial para ír a denunciar a otro político, aunque este sea de tu mismo partido.

Tim Stamper y la Princesa gorda: http://youtu.be/qAwhKqZsTrA

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"THE FINAL CUT" es la entrega más negra -en todos los sentidos- y lenta de la trilogía "HOUSE OF CARDS". El texto está pésimamente adaptado y deja de ser definitivamente una comedia negra o una sátira para convertirse en algo muy pretencioso que acaba quedándose al final en agua de borrajas, pretendiendo ser una tragedia griega.

SINOPSIS: Francis Urquhart ha logrado ser primer ministro más tiempo que Margaret Thatcher (estatua de la cual van a inaugurar proximamente en los jardines cercanos al número 10 de Downing Street); Y ahora Urquhart está considerando su eventual retiro. Sin embargo, su pasado sigue persiguiéndole. Cuando era joven Urquhart participó en una insurección en Chipre y asesinó friamente a dos campesinos griegos adolescentes para, a continuación, hacer desaparecer sus cuerpos quemándolos. Además, su eposa, que hasta el momento lo apoyaba está muy entusiasmada, en todos los sentidos, con su amante Corder, el matón de seguridad de su marido.

La noticia de que hay petroleo en Chipre sacude a los griegos y una série de graves disturbios civiles se desparraman. De pronto, estalla la noticia de que el alto comisionado británico ha sido secuestrado por los rebeldes. Urquhart lanza toda su ofensiva con mano dura y firme. Mientras Claire Carlsen, la nueva secretaria particular de Urquhart, descubre toda la verdad sobre el historial de guerra de su jefe, un grave incidente con niños asesinados precipita el final de Urquhart. Un final que va a sorprenderle tanto a él como al espectador.

Comentario: El autócrata escocés Lord Reith de la B.B.C. dijo en una ocasión: "La mejor forma de gobierno es el despotismo moderado por el asesinato".

Churchill, por el contrario, opinaba que la democracia es una forma terrorífica a la hora de gobernar una nación, pero mucho mejor que todas las demás opciones.

Margaret Thatcher tuvo suerte tras muchos años como el matón-jefe nacional, con el tiempo su arrogancia le proporcionó un inmerecido tributo.

A través de los años la política ha sido un negocio sangriento, no lo olvidemos; Y la democracia que tanto cacareamos esconde todo el juego duro y súcio que fué necesario para instaurarla.

Francis Urquhart es un terrateniente escocés vestido de demócrata; Incluso siendo un político conservador es un déspota, un asesino frío y un criminal de guerra.

Urquhart está a punto de salir del número 10 de Downing Street por la puerta grande, pero para su desgracia está mostrando síntomas de debilidad. Y la cínica y manipuladora Elizabeth Urquhart necesita proporcionarse un estupendo plan de retiro.

Personajes secundarios:

Paul Freeman como Tom Makepiece, cauteloso jefe de grupo del partido conservador que puede derrocar a Urquhart; Isla Blair como Claire Carlsen, trabaja para Urquhart mientras está involucrada sentimentalmente con el rival político más inmediato del primer ministro: Tom Makepiece; Nick Brimble como Corder, desempeña un papel fundamental dentro de la trama, su relación con la señora Urquhart va viento en popa.

En el apartado negativo:

Nickolas Grace como Geoffrey Booza Pitt compone un personaje mediocre, frustrado y rijoso que no tiene ningún peso específico dentro de la trama, y por tanto es un personaje inútil. Y el presidente de Chipre parece demasiado torpe e ineficaz para desempeñar un cargo tan importante como el que tiene.

El reparto en esta ocasión es irregular y amortigua las posibilidades de "THE FINAL CUT", que parece contar en esta ocasión con un presupuesto menor al de las otras entregas de la série. Esto se nota en las escenas que transcurren en Chipre.

La fotografía de Ian Punter retrata con gran finura y acierto el túrbio mundo que aquí se nos plantea. La atmósfera túrbia que crea para esta minisérie es uno de sus principales logros.

Lamentablemente lo que falla es la dirección de Mike Wardy -el director de las dos extraordinarias entregas anteriores Paul Seed no quiso hacerse cargo de esta entrega, y eso se nota-; Esta entrega final parece de mala calidad (se incluyen en ella desnudos innecesarios de una actriz que se acaba de incorporar a la série, -Isla Blair no logra hacernos olvidar a Susannah Harker-; Un truco de principiante para atraer a la audiéncia). Y el ritmo es vacilante en todo momento. La dirección artística de Ken Ledsham sigue siendo excelente.

Observen que no he hablado hasta ahora de la música de Jim Parker. Me parece simplemente funcional, cumple con su cometido y poco más. No es un aspecto destacable de la série.

En el guión Andrew Davies vuelve a adaptar una novela de Michael Dobbs, al que no se acredita como autor debido a conflictos con los ideólogos de la série con respecto a su trilogía literaria; (Al parecer los de la B.B.C. se tomaron demasiadas libertades con respecto a las adaptaciones de los libros: Muchos cambios de sexo de personajes fundamentales para el desarrollo de la trama, situaciones alteradas hasta el absurdo, etc.) No las he leído, no puedo opinar. Lo que puedo decir es que no es un guión demasiado bueno el de esta tercera entrega, ni mucho menos, hay algunos aspectos decididamente sórdidos e improbables en la historia como para resultar amena. E incluso un final, a priori tan satisfactorio, se resuelve de manera demasiado complicada como para tratarse de un buen final de trilogía. Tal vez esto sean defectos de las novelas de Dobbs, no del guión, repito que no lo sé. Ciertamente es la entrega más floja. Pero es muy difícil hacer un "tres en raya" cinematográfico, sinó miren "El padrino III", que es muy inferior a las otras dos entregas.

El resultado es como sus personajes secundarios, algo que frena el interés por ver esta parte final.

El final de Urquhart: Esta es la mirada de un experimentado político que se agarra desesperadamente al poder, por última véz. Urquhart parece estar obsesionado con la sombra de su precursora Margaret Thatcher y con los fantasmas de su pasado, que por otra parte, nunca han dejado de rondarle; Sólo que cada véz lo hacen con más persisténcia.

Aquí sabemos que Urquhart en el pasado formó parte del ejército de Chipre, país al que ahora

amenaza con saquear y destruír.

Propone una nueva y reiterativa mirada a la caída de un gobierno y el ascenso de un sucesor.

Un gran momento para el recuerdo: Al principio, cuando se intercalan imágenes del sacrificio y del entierro de la vieja perra de caza de Urquhart -muerta por este de un certero tiro con escopeta- con el entierro de Margaret Thatcher (ambas demasiado viejas para seguir ejerciendo su función de excelentes cazadoras).

Para los fans del film "Seven": El gran Kevin Spacey ha protagonizado recientemente un remake de "House of Cards" dirigido por David Fincher.

A medida que su permanencia en el poder empieza a disiparse, Urquhart se esfuerza cada vez más por mantener su autoridad. http://youtu.be/P-qAYCr4tkM

Michael Dobbs, autor de la trilogía HOUSE OF CARDS

Paul Seed, director de HOUSE OF CARDS y TO PLAY THE KING

Andrew Davies, adaptador de la trilogía HOUSE OF CARDS

UNO DE LOS MEJORES FILMES DE PROPAGANDA ALIADA

2011-10-09T07:19:00.000-07:00

"EL PARALELO 49" o "LOS INVASORES".

Título original: The 49th Parallel.

Año: 1.941.
Duración: 123 min.
País: Gran Bretaña.

Director: Michael Powell.
Guión: Emeric Pressburger y Rodney Ackland.
Música: Ralph Vaughan Williams.
Fotografía: Freddie Young (B/N).
Montaje: Sir David Lean.

Reparto: Leslie Howard (Philip Armstrong Scott), Laurence Olivier (Johnnie), Raymond Massey (Andy Brock), Anton Walbrook (Peter), Eric Portman (Teniente Hirth), Glynis Johns (Anna), Niall MacGinnis (Vogel), Finlay Currie (Ingeniero), Raymond Lovell (Teniente Kuhnecke), John Chandos (Lohrmann), Basil Appleby (Jahn), Eric Clavering (Art), Charles Victor (Andreas), Frederick Piper (David), Richard George (Comandante Bernsdorff), Peter Moore (Kranz).

Productora: Ortus Films Production para D&P Studios. Distribución: J. Arthur Rank.

Premios 1942: Oscar: Mejor historia. 3 nominaciones.

Sinopsis: En los primeros años de la Segunda Guerra Mundial, un submarino alemán (U-37) hunde un barco aliado en la bahía de San Lorenzo y luego trata de evadir las fuerzas militares canadienses que se disponen a bombardearles, navegando hasta la bahía de Hudson. El capitán del U-37 envía a algunos miembros de su equipo en busca de comida y otros suministros en un puesto de la Hudson Bay Company. Tras la toma de tierra por parte de un destacamento especial al que se le asigna dicha misión (dirigido por el teniente Hirth), el submarino es descubierto y hundido por las Fuerzas Armadas Canadienses dejando los seis miembros del partido nazi varados en el Canadá.

El teniente nazi entonces comienza a planear el regreso de su tripulación a la patria. Tienen que llegar a la neutral Estados Unidos. En el camino se encuentran con una gran variedad de personajes cada uno con sus propios puntos de vista sobre la guerra y el nacionalsocialismo.

Inspirandose libremente en un caso real, en esta película Michael Powell y Emeric Pressburger exponen coherentemente sus ideas de por qué los Estados Unidos deben unirse a la lucha aliada contra los nazis.

Cuando afronto la revisión de películas como esta, idealizadas desde mi infancia o mi adolescencia, soy extremadamente cauto; Pues corren el riesgo de ser repudiadas de mi lista mental de obras maestras incuestionables que siempre permanecieron en mi recuerdo. Este es uno de los filmes que han sobrevivido a esta idealización del recuerdo, más allá de unas imágenes muy poderosas, o de unos diálogos que alcanzan la perfección.

Ruego al avispado cinéfilo de hoy en día que pase por alto los ridículos acentos que impostan Eric Portman (alemán con acento de Yorkshire) y Laurence Olivier (afrancesado y con chascarrillos del tipo "Mon Dieu!") y alguna imposibilidad topográfica como la del plano final; Así como la utilización de algunas maquetas que son el resultado de su falta de presupuesto. Y principalmente que se trate de un film más de propaganda aliada; Aunque sea uno de los mejores.

Seis oficiales alemanes se encuentran varados en suelo canadiense después de su submarino fuera hundido en la bahía de Hudson. A medida que viajan a través de Canadá, tratando de alcanzar los EE.UU. a través de territorio neutral, interactuando con una amplia variedad de personas, -muchas de las cuales huyeron de Europa durante la Primera Guerra Mundial-, y que pagarán un alto precio por su libertad durante el desarrollo del relato. Las lagunas en el sueño de supremacía de Hitler son sutilmente sacadas a la luz cada vez que los alemanes se cruzan con los habitantes del Canadá, que en algunas ocasiones les ofrecen libremente su hospitalidad. El odio ciego de los nazis hacia todo pueblo libre que se precie se pone de manifiesto al chocar contra la libertad y la inocencia del pueblo canadiense. Creo que esta película resulta excelente para ayudar a los niños a entender por qué los nazis amenazaban al mundo entero.

CONTIENE SPOILERS:

Hay dos episodios que a mi parecer alcanzan la perfección: La historia de amor, frustrada por las ideologías y las creencias religiosas, entre Glynis Johns, como Anna la niña huterita, y mi personaje favorito: Niall MacGinnis como el suboficial Vogel, un buen hombre, un sencillo panadero, atrapado en un régimen totalitario. Así como el gran Anton Walbrook, como Peter el líder de una comunidad pacifista y tranquila. La escena en la que Peter se enfada con los nazis por hacer proselitismo de la raza ária y sobre la noción de "patria" és uno de los discursos más poderosos de la historia del cine. Vogel tiene una crisis de consciéncia, que incrementa a medida que la comunidad huterita le influye (es un hombre compasivo, anteriormente le hemos visto entregando un rosario a un trampero moribundo). Finalmente todo este amor y compasión dan como resultado su muerte causada por un pelotón de ejecución; No sin antes haber dejado pan recién hecho para toda la comunidad huterita y un pastel para el cumpleaños de Anna.

La escena final es la más poderosa a mi modesto entender. No sólo está interpretada magníficamente por Portman y por Raymond Massey, sinó que constituye un mensaje evidente para los EE.UU. Encerrado en un vagón de mercancías de un ferrocarril, Portman cree que ahora que está en suelo estadounidense está libre y por lo tanto revela su verdadera identidad a los oficiales de aduanas, exigiendoles que le lleven a la Embajada Alemana; Mientras el desertor canadiense (Massey) trata desesperadamente de convencer a los funcionarios de aduanas estadounidenses para que envien el tren de regreso a la frontera para que este hombre puede ser detenido y castigado como criminal de guerra. Por suerte, estos dos aduaneros yanquis están de acuerdo con este último y se valen de de la burocracia de logística para que el tren vuelva a Canadá. Como esta escena está coronada con una gran banda sonora de Ralph Vaughan Williams alcanza una magistralidad sobrecogedora.

El mensaje era sencillo. "El nazismo llegará a través de Canadá en poco tiempo si no ayudan a luchar contra él". Esta es una película de propaganda bélica que se encuentra en un plano superior a todas las demás de la época.
Este prodigio en gran parte es posible gracias a la magnífica labor realizada sobre el material rodado por uno de los mejores cineastas del mundo: Sir David Lean; -Que entonces era un gran montador-.

Michael Powell era un humanista, un pacifista, y él sabía que el cine podía ser una herramienta de gran utilidad a causa de su popularidad. Este film, realista a veces, se convierte en una espécie de fábula de carretera con estructura episódica. La película está sembrada de escenas extraordinárias: Como la reunión multitudinaria de hombres blancos y pieles rojas, dónde un honbre principal pide a todo el mundo que examinen la cara de su vecino, con el fin de encontrar enemigos, -una secuéncia para rivalizar con otras muy parecidas de los mejores filmes de Hitchcock-; Dos nazis están tomando una ducha en un campamento de montaña: Uno de ellos es un esbirro oportunista que se aprovecha de la ventaja de contar con agua caliente, mientras que el otro insiste en ducharse con agua fría para no manchar su orgullo nazi; O Leslie Howard, el hombre culto, millonario pacifista y excéntrico que vive alejado de la guerra en las montañas rocosas, que ama a Matisse, Picasso y Thomas Mann, -algunas obras de los cuales adornan su tipi índio-, siendo mostradas a sus siniestros invitados por este hombre con un orgullo que enfurece a estos representantes del partido nazi.

"El paralelo 49" es una de las mejores películas de todos los tiempos. El filme tiene un montón de deficiencias, pero sigue siendo una gran película. La principal virtud del filme consiste en que todos sus exteriores fueron rodados en Canadá; Pero esta ventaja resulta ser al final un arma de doble filo que afecta a la credibilidad de la historia narrada; Ya que el principal problema reside en que los nazis se limitan a recorrer solo unos pocos kilómetros cuadrados del Canadá (100.000 exactamente) en su periplo.

http://youtu.be/eNyk6GuMU1Y

Escena de la magistral confrontación verbal entre el Teniente Hirth y Peter.

ESPERPENTOS CÓMICOS 3 EL GRAN ALBERTONE Y GRANDES DIRECTORES Y ESCRITORES

2011-05-22T07:47:00.000-07:00

EL ESPECULADOR Titulo original: Il boom, 1963. 97 m. Italia.

Director: Vittorio De Sica

Productor: Dino De Laurentiis

Guión: Cesare Zavattini

Musica: Piero Piccioni
Fotografía: Armando Nannuzzi (B/N)
Montaje: Adriana Novelli

Genero: Humor negro.

Interpretes y personajes: Alberto Sordi - Giovanni Alberti; Gianna Maria Canale - Silvia Alberti; Ettore Geri - Mr. Bausetti; Elena Nicolai - Mrs. Bausetti; Alceo Barnabei - Baratti; Federico Giordano - Padre de Silvia; Antonio Mambretti - Faravalli; Silvio Battistini - Riccardo; Sandro Merli - Dronazzi; John Karlsen - Oculista; Ugo Silvestri - Gardinazzi; Gloria Cervi - Mrs. Baratti; Gino Pasquarelli - Director; Maria Grazia Buccella - Secretaria; Mariolina Bovo - Mrs. Faravalli.

Sinopsis: Giovanni Alberti es un respetable (pseudo) hombre de negocios enamorado de su esposa Silvia, pero ésta es una mujer que adora el lujo y la buena vida, por lo que Giovanni necesita cada vez más dinero si quiere retenerla a su lado. Ahogado por las deudas, le ofrecen una importante cantidad de dinero a cambio de vender uno de sus ojos.

Crítica: Farsa cruel en torno a la coyuntura italiana del momento. Un trato que cuesta un ojo de la cara. Comedia agridulce sobre la Italia de los 60 y sobre un modo de vida basado en el enriquecimiento rapido.

Toda la película es una comedia grotesca y una sátira costumbrista sobre la obsesión de los italianos de la época por ser personas "respetables", es decir: Ser ricos; Aparentan y dan la impresión de formar parte de la respetada clase media-alta, aunque no son más que unos "nuevos ricos". La película está rodada en un estilo muy realista, (un estilo muy cercano a los filmes de Marco Ferreri o Berlanga de la época) y, a veces resulta hilarante.

En mi opinión esta es la mejor comedia que hizo Vittorio De Sica en los sesenta. Un tema muy sombrío rodado con un estilo moderno: ¿Qué podría hacer un hombre endeudado hasta el cuello para llegar a ser rico? Una señora de mediana edad (esposa de un hombre rico) le propone un extraño trato; Él cree que ella le quiere como gigoló; No sabe que le va a pedir (literalmente) un ojo de la cara. Como en el film de Comencini "Lo scopone scientifico", "Il Boom" trata de la explotación del hombre por sus semejantes. De Sica, Dino Risi, Monicelli o Comencini son directores mucho más accesibles que Fellini, Visconti o Antonioni, pero en sus películas no se cortan, pinchan.

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Frases y dialogos para el recuerdo:

Giovanni Alberti: Préstame tres millones de liras.
Fofó: ¿Y quién los tiene?

- Silvia Alberti: Me ha dicho la modista que aún no le has pagado.
- Giovanni Alberti: ¿Eh? Es... es mejor retrasarse. Así lo hacen todos. Cuanto más tarde pagas, menos pagas. Es la inflación. ¿Cuánto costaba un bistec el año pasado?
- Silvia Alberti: No lo sé, tesoro.

http://youtu.be/F4OhlgQG6sQ

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LA NOCHE MÁS HERMOSA DE MI VIDA (La trampa).

Titulo original: "La più bella serata della mia vita"
Italia, Francia 1972. 106 min.

Director: Ettore Scola

Guión: Ettore Scola y Sergio Amidei

Basado en la novela y la obra de teatro: "La panne. Una storia ancora possibile" de Friedrich Dürrenmatt

Productor: Dino De Laurentiis
Fotografia: Claudio Cirillo (C.)

Montaje: Raimondo Crociani
Musica: Armando Trovajoli
Decorados: Luciano Ricceri

Interpretes y personajes: Alberto Sordi: Alfredo Rossi; Michel Simon: Abogado Zorn; Janet Agren: Simonetta; Charles Vanel: Juez Dutz; Claude Dauphin: Presidente Bouisson; Pierre Brasseur: Conde La Brunetiere; Giuseppe Maffioli: Pilet

Genero: Comedia dramatica.

Sinopsis: Un italiano que se dirige a Suiza se ve obligado a pedir asilo durante una noche en un castillo. Durante la cena, el anfitrión y tres de sus amigos, todos ellos ex-funcionarios de justicia, invitan al huésped a participar en un peculiar juego y le ofrecen el único puesto vacante, el de acusado. Mentira y verdad se confabulan en una oscura farsa, que lleva a reflexionar profundamente acerca del imperfecto intento del hombre de ser justo.

Alfredo Rossi es un empresario romano que se dirige a Suiza desde Milán para transferir ilegalmente 100 millones de dólares. Se mete en problemas con un policía y llega tarde para su depósito en el banco. Obligado a esperar hasta el día siguiente para la reapertura comienza a buscar un hotel, pero se fija en una hermosa motociclista que le sigue hasta las montañas -forma parte de una especie de juego-. Aquí coche de Alfredo se detiene por un accidente misterioso mientras que la chica se desvanece. Solos y perdidos enmedio de la naturaleza hermosa pero desafiante de la montaña, el hombre y la chica se ven obligados a pedir hospitalidad en el lugar más cercano a las contrariedades: un castillo propiedad de un conde en el que viven cuatro jueces que practican un inusual juego de rol. Se juzga la vida del acusado. O más bien, lo que tiene su vida de oscura y turbia, como hechos susceptibles de juicio y de castigo posterior. Al principio desconcertado, Alberto acepta el juego, para matar el rato mientras espera que amanezca, una alternativa para divertirse esa noche, alentado por las gracias de una camarera joven y bella, con un juego entretenido y divertido. El proceso comienza en una mesa llena de deliciosos platos de comida y vinos, bromeando y riendo. Allí se narra la vida de un hombre que se ha abierto camino desde la pequeña burguesía a través de trucos súcios, travesuras inofensivas y golpes de suerte, hasta llegar a alcanzar una posición de prestigio a partir de la muerte de su superior, -quien no sentía, en absoluto, ninguna simpatía por Alfredo-. En una zarabanda de confesiones obtenidas fácilmente, gracias a que el vino fluye libremente, Alfredo al final de la noche es condenado a muerte. Pero es sólo un juego. ¿O quizás no?

Crítica: "La noche más hermosa de mi vida" es una película dirigida por Ettore Scola. La historia es entretenida y, sin embargo, te hace pensar en lo que es verdadero y lo falso, reflexiona sobre el azar y el destino, hace que reflexiones sobre quién eres realmente y cuáles son sus metas en la vida. La película es una comedia y un drama, te hace reír y te hace pensar, con varios giros irónicos de guión. Las actuaciones son realmente de primera magnitud. La dirección también es notable.

Tras el éxito alcanzado por público y crítica con una de las mejores comedias dramaticas italianas de los setenta "El demonio de los celos" (1970, protagonizada por un trio en estado de gracia: Marcello Mastroianni, Giancarlo Giannini y Monica Vitti), Ettore Scola vuelve a trabajar con Alberto Sordi (el primer encuentro artístico entre los dos fue con motivo de "Mister Sabatini... Africa... allá vamos" <1968>, una de las obras más singulares de la cinematografía scoliana), "La noche más hermosa de mi vida" está planteada como una comedia, burlándose de la justicia y del destino, un cuento de hadas surrealista que se vuelve negro, a caballo entre la sátira y lo grotesco, dónde unos jueces tratan de perturbar a un acusado para que reflexione sobre su ambigüedad moral. La película, cuyo principal actor es Alberto Sordi, se inspira en la novela -y también obra teatral- "El desglose. Una historia que aún es posible" de Friedrich Dürrenmatt y se rodó en el interior del Castillo de Tures.

La película, aunque no del todo despreciable en su apartado técnico, se aparta de la narración de Dürrenmatt con demasiada libertad. Sobre todo el hecho de que el papel principal fue confiado a un Alberto Sordi -entonces en la cima de su carrera-, Scola introdujo una serie de cambios hechos a medida del actor que terminaron por distorsionar el sentido mismo de la historia.
Sobre todo el final de la película tiene una ruptura radical con la dirección de la historia: la cena y la estancia en el castillo culminan en un ambiente festivo en contraposición con la broma que tiene lugar, la cual cosa hace perder el sentido de drama ambiguo, autentica piedra angular de la historia original; Mientras que la última secuencia ofrece una conclusión incierta, entre lo onírico y surrealista, que sigue estando demasiado desconectada del contexto narrativo.

La película no tuvo mucho éxito en su momento, fué quizás tomado como un extraño experimento, un capricho de Scola; Los críticos, por lo general, difícilmente aceptan favorablemente la excesiva libertad con la que el cine 'maltrata' una buena historia; Y, además, Dürrenmatt es uno de esos autores cuyas obras han quedado como 'intocables', y no falta quién pretenda crucificar al director que se atreva, aunque sea levemente, a alterar su prosa. Como yo no soy sospechoso de ser un defensor de lo academicista seré bastante más permisivo con esta adaptación libre de un texto teatral y la analizaré estrictamente desde el punto de vista de sus valores cinematográficos.

En los escenarios, sin embargo, el texto de Friedrich Dürrenmatt fue dirigido por el director Armando Pugliese con Gianmarco Tognazzi como protagonista; Obteniendo un clamoroso éxito.

La noche de los jueces o el triunfo de Scola.

No me encuentro entre los admiradores de la obra de Ettore Scola, pero esta joyita que es "La piu bella serata della mia vita" tiene todo lo que exige un aficionado al cine:

-Un guión donde, a cada minuto, ocurre lo más inesperado.

-Un reparto increíblemente extraordinario: Uno de los grandes actores cómicos italianos de la época dorada de la comedia italiana: Alberto Sordi, la crême de la crême de los veteranos actores franceses: Pierre Brasseur, Charles Vanel y, por último pero no menos importante, Michel Simon. Todo un sueño de elenco dirigido de una manera magistral por Scola.

"Piu Bella Serenata..." toma prestados elementos de Agatha Christie "Ten Little Indians", de "L'Auberge Rouge" dirigida por Claude Autant-Lara (los finales son similares), de "Marie-Octobre" dirigida por Julien Duvivier, o "Jeu de la Vérité" de Robert Hossein.

No tengo ningún dato que corrobore esta arriesgada opinión particular pero creo que si hemos de buscar una más que probable referencia que haya podido servir a Scola de inspiración a la hora de rodar esta película esta es, sin duda alguna por mi parte: "Orphée", (1950) film dirigido por Jean Cocteau, -un filme que retomaba las pautas vanguardistas y surrealistas de los años 20 y 30-; Algunas de las imágenes (especialmente la ambientación del castillo y las ensoñaciones) del film que nos ocupa evocan, igualmente, a los universos pictóricos de Dalí y Chirico. Scola se apropia de todos estos elementos, y su película no desmerece de los trabajos anteriores. "Piu Bella Serata..." es, sin duda, una de las mejores películas italianas de los años setenta.

Enparentada con el clásico de Luigi Comencini "Lo scopone scientifico", -donde Alberto Sordi jugó a las cartas con Bette Davis y Joseph Cotten (película comentada en este blog)-, también esta película es una fable moral. El espectador tiene que prestar mucha atención para comprender bien todas las cosas serias que el director nos dice.

Estos tres magistrados jubilados quieren seguir con su trabajo: Juzgar a las personas es su idea fija, -son similares al personaje central de Racine en "Les Plaideurs"-. -"Ya hemos juzgado a Juana de Arco, a Dreyfuss y otros, -dice el gran Michel Simon-, pero preferimos juzgar a personas de carne y hueso". La película también se ocupa de los esqueletos en el armario: El personaje que interpreta Sordi no es el bon vivant tonto e ingenuo que parece a simpre vista. Poco a poco descubrimos que puede ser un monstruo (Sería perfectamente uno de los personajes de "I Nuovi Monstri", 1978 de Mario Monicelli, una brillante película de episodios); La mansión de los jueces situada en las montañas suizas con su decoración barroca, sus trofeos de caza (lo que es un símbolo), la belleza luminosa de Janet Agren (el cebo perfecto), añaden a la película una fascinante atmosfera surreal a todo color: es unas veces una comedia hilarante, otras veces una fantasía y una joya del cine de terror (con toques de "el juego más peligroso"), otras veces es una historia de detectives, otras veces un melodrama (la infancia de Sordi). El único defecto es tal vez la última escena: debería haber sido más breve. Es una pequeña objección.

La idea de Durrenmatt es encantadora y llena de alegorías que invitan a preguntarse sobre la naturaleza humana, y Scola demuestra correctamente su habilidad con la palabra escrita y se vale de todas las posibilidades y trampas que permite el cine -estas son infinitas-. La película "La noche más hermosa de mi vida", exceptuando alguna redundancia ligera, no tiene fallos en la narrativa, y se apoya en un gran reparto, capitaneado por un Alberto Sordi que se siente en todo momento totalmente comodo en su papel. A su lado tenemos a dos actores muy buenos como Pierre Brasseur (que murió en el set, al finalizar el rodaje) y Michel Simon, en el papel del abogado y el fiscal, respectivamente. En el papel de "Ángel de la Muerte" -uno de los más bellos y elegantes ángeles del cine de género de los años setenta-, tenemos a Janet Agren -aquí más joven y hermosa que nunca- Agren era una sexy estrella de comedias de la época. La belleza femenina está utilizada aquí como una alegoría de la muerte, como la tentación, como una máscara del mal: La joven, tomando forma de motorista o de camarera, determinará la suerte de Alberto. La sentencia real a la que enfrenta Alberto -sentencia promulgada pomposamente por cuatro magistrados jubilados, educados y aburridos- no es desfavorable por causa de su narcisismo y su egolatria, (moraleja: Un alto precio en dinero determina el final del juego); Sinó más bien por no ser capaz de resistir el cuerpo de una mujer hermosa. En realidad pertenece a la clase media italiana y -circunstancia agravante- romana. Oh, sí, incluso haciéndose pasar por romano en Milán, -porque Milán es sinónimo de industria-. Aquí Scola en realidad se queda un poco, demasiado, en el estereotipo, los romanos -hasta cierto punto con razón- son tildados como los campeones del narcisismo y la perorata sin sentido. El alcohol traiciona a Alberto en el simulacro de juicio, hasta el punto de distorsionar y confundir las funciones del fiscal y del abogado defensor, aplaudiendo su propia sentencia de muerte.

La película se mantiene en equilibrio, manteniendo el 'timming' correcto respecto a la duración de la ambigüedad, el misterio sutil, y cuando las cartas son puestas al fin sobre la mesa, mezclando estos ingredientes en un tono decididamente grotesco. Scola no escatima la atmósfera macabra cuando se evoca la muerte, así como la crítica a los sistemas judiciales con los que se puede obtener una ventaja mediante préstamos; De acuerdo con una iluminación que sugiere en todo este tramo del filme una farsa oscura, los cuentos de hadas, y muy evidentemente, la literatura gótica, -con castillo de estilo gótico incluido-, tiene lugar una disgresión onírica -siempre en perfecto equilibrio entre los dispositivos aterradores y grotescos-, y el regusto del trabajo intelectualista de Durrenmatt también tiene cabida en la película, pues los miembros del tribunal citan a Sócrates y a Jesús al inicio del proceso, y en los discursos de cierre asoma incluso Demóstenes. El sentimiento que prevalece es que el espectador es que se enfrenta a una burla del trabajo y la moral -no del moralismo, por supuesto-; En el epílogo se le dá a elegir al protagonista entre salvar su industria o su propio destino, a pesar de la farsa. La última secuencia, dónde se ralentiza la congelación casi fotograma a fotograma de un plano, se centra en la risa amarga y suspendida del protagonista, en los pocos segundos que le separan del final parece haber entendido el significado de la noche "más bella de su vida", el destino se ha burlado de él quitandole algo que le importa más que su vida, (el dinero), y lo ha hecho justo cuando su clase media está en la cima de sus posibilidades de éxito; Cubrir sus faltas con dinero es el último deseo angelical de los delincuentes.

A pesar de que se basa por completo en la obra de Dürrenmatt, el enfoque que dá Scola a la película me recuerda vagamente, aunque en un marco y una forma muy diferentes, a la obra maestra de Ingmar Bergman "Fresas salvajes", pero mientras que el director de cine sueco toma la decisión -también absolutoria- de hacer que el protagonista de su pelicula alcance un estadio de sueño pleno, en esta historia inquietante dirigida por Scola determinar lo que es realmente un sueño y lo que es la realidad, con todas sus implicaciones metafísicas, no es tarea facil; Lo que queda es una película divertida, olvidada y que contó con la oposición acérrima de los críticos de cine de la época. Una variación agradable e inteligente sobre un tema muy de moda en su momento, la crítica al modus vivendi de la clase media. Una obra para recuperar y redescubrir.

¡Espere lo inesperado y disfrute!

http://youtu.be/qmX1Dt7bQH0

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UN BURGUÉS PEQUEÑO, MUY PEQUEÑO

Titulo original: Un borghese piccolo piccolo. Italia, 1977. 118 min

Director: Mario Monicelli

Argumento: Vincenzo Cerami (novela)

Guión: Sergio Amidei, Mario Monicelli

Productores: Luigi e Aurelio De Laurentiis
Para: Auro Cinematografica
Distribución (Italia): Cineriz

Fotografia: Mario Vulpiani (C.)
Montaje: Ruggero Mastroianni
Musica: Giancarlo Chiaramello

Interpretes y personajes: Alberto Sordi: Giovanni Vivaldi; Shelley Winters: Amalia Vivaldi; Vincenzo Crocitti: Mario Vivaldi; Romolo Valli: Dr. Spaziani; Paolo Paoloni: Amigo de Vivaldi; Renato Malavasi: Director del cementerio; Renzo Carboni: Homicida; Enrico Beruschi: Toti; Renato Scarpa: Sacerdote.

La película se presentó en el 30 º Festival de Cannes. Genero: drama.

Sinopsis: Giovanni Vivaldi (Alberto Sordi) es un modesto empleado, un funcionario ministerial en el umbral de la jubilación y pendiente de una pensión. Su vida se divide entre el trabajo y la familia. Él y su mujer (Shelley Winters) tienen tan altas expectativas para con su hijo Mario (Vincenzo Crocitti), contable neo-grado y un chico no muy brillante, que el padre está dispuesto a ayudarle a ocupar su cargo en la misma oficina.

Giovanni en un intento de acercamiento hasta sus superiores se inscribe en una logia masónica, lo cual le permitirá ganarse la amistad y el favoritismo de los altos cargos del ministerio público al que los funcionarios nunca han tenido acceso.

Pero los intentos de G. Vivaldi por colocar bien a su hijo quedan abortados definitivamente cuando Mario muere asesinado, debido a un balazo que recibe durante un tiroteo que tiene lugar tras un atraco a la oficina bancaria dónde hacían cola el padre y el hijo en cuestión.

El trágico suceso y el sufrimiento distorsionan la vida, las creencias y la moral de los cónyuges Vivaldi. La esposa de Giovanni, afectada por la enfermedad, se queda muda e inválida, y Giovanni, cegado por el dolor y el odio, se lanzará de cabeza a una sola y desesperada idea, que le llevará primero a encontrar al asesino de su hijo y luego a tratar de evadir la captura policial. Sin perjuicio alguno, Giovanni someterá al asesino de su hijo a una tortura cruel que le llevará lentamente a la muerte.

Entonces Giovanni se jubila y, en menos de un día, muere su esposa, ya gravemente marcada por la discapacidad. Giovanni se lo toma con mucha calma y se resigna a vivir su vejez en solitario; Al final sostiene una confrontación verbal con un jóven que le hace revivir el papel del justiciero que fué una vez, y tal vez esto le llevará a matar de nuevo.

Crítica: El excelente uso de la comedia negra inyectada en un drama duro. Una película inquietante que nunca esperarías de Alberto Sordi. Una película que nunca olvidarás. Una plausible mirada sobre un personaje mediocre y atormentado que reaccionará irracionalmente ante una situación límite. Drama triste y cruel. Monicelli parece revisar "Perros de paja" (1971) de Sam Peckinpah.

"Un burgués pequeño, muy pequeño" trata sobre la ruptura emocional y moral que experimenta un ser anodino al haberse frustrado para siempre el ideal al que se ha entregado en cuerpo y alma. Monicelli comenzó a hacer cine en una época en que la sociedad italiana asumía todos sus vicios y se reía de ella misma, se ridiculizaba, incluso se escarnecía; Y estos vicios eran la consecuencia de una demostración de confianza, un acto de amor y una sincera esperanza en su capacidad humana. La sociedad italiana, -representada aquí por la transformación que sufre Giovanni Vivaldi-, ha cambiado; Pero el director no culpa a los italianos de esta pérdida irreversible de todos sus valores positivos. "En esencia, no hay nada que nos dé la esperanza para creer, para reír".

La película también contiene una gran actuación de Alberto Sordi y un punto de inflexión para la carrera en el cine del actor romano, que está sencillamente magistral en esta tragedia griega moderna. Un actor que, demasiado a menudo, hacía de sí mismo, y haciendo, sencillamente, payasadas. Atrofiando en muchas ocasiones la calidad de sus interpretaciones con sus excesos histriónicos y anulando muchas de las películas en las que intervino.

Es en el contexto general político e histórico de los años setenta que retrata Mario Monicelli aquí, se confirma la profunda transformación política que se produjo en sus películas de este período, al abandonar la sátira social en la se basó toda la comedia italiana para ofrecernos un drama puro trufado de un humor tan negro como el ala de un cuervo, basándose en los problemas de la sociedad italiana.

En cierto modo se podría contemplar como una metafora la escena del cementerio de la obra que analizo, una metafora del cine italiano, que a partir de mediados de los setenta ya había comenzado su caída en picado, burocratizandose hasta dejar de ser un referente para todas las industrias cinematograficas extranjeras.

Alberto Sordi está extraordinario en este retrato oscuro y tragicómico de una sociedad enferma y enloquecida. Un modesto empleado público no puede vencer a la burocracia ni siquiera para obtener un ataúd para su hijo, asesinado accidentalmente por un atracador. Y lo que es peor, se vé obligado a contemplar impotente cómo el asesino escapa de las manos de la policía no una sino dos veces. Este hombre muy pequeño crece gracias a la ira y se transforma en un verdugo obsesivo, tan irremediablemente loco como el sistema que lo ha creado, con la mente dividida entre una particular visión de la justicia que ya jamás será satisfecha así como un vano intento de recuperación de un hijo malogrado, sentimientos contradictorios que le llevan a curar las heridas que él mismo ha provocado a un joven criminal, a comer delante de este asesino que se está muriendo por inanición, a darle agua para que este no muera deshidratado mientras lo mantiene maniatado, a llorar su muerte como la de un hijo...

La consecuencia de la escición mental que se produce en Giovanni Vivaldi consiste en enterrar al asesino de su hijo en el lugar que le correspondería a la víctima mientras esta espera para ser enterrada en sagrado.

Esta misma locura parece haber contagiado a los jefes de G. Vivaldi cuando este acaba cobrando una pensión por haber formado parte de la resistencia durante la 2ª guerra mundial, cuando se vé a la legua que el beneficiario de esta renta es un fascista acérrimo.

Parecidos muy razonables: Vean de dónde se inspiró Tarantino para "Reservoir Dogs". La tortura del policía en la escena más recordada de "Reservoir Dogs" se parece demasiado a la escena más recordada de "Un Borghese Piccolo Piccolo" para ser una simple coincidencia. Asimismo, la brutal escena del cementerio mejora con creces la totalidad del film "The Loved One" (1965) de Tony Richardson, basado en la novela de Evelyn Waugh, a cuyo recuerdo me remite; Aunque la intencionalidad en la metafora de dicha escena es bien distinta.

La genialidad de esta película radica en el uso de la comedia inyectada en un drama. Las tribulaciones de un provinciano rayando en la locura, apretando el acelerador del pequeño Fiat 500 a través del tráfico, peleando con el portero que tiene que escribir la razón que ha llevado a un funcionario a llegar un minuto tarde a la oficina del Ministerio. La frustración y el sadismo de Giovanni Vivaldi están presentes desde el inicio del film, cuando le revienta la cabeza a pedradas al lucio que acaba de pescar, y su caracter obsesivo le lleva a asistir a una reunión secreta de masones, una especie de apretón de manos secreto y sectario en el que los organismos que ostentan el poder se basan para hacer cumplir un "código" de conducta o estilo de vida. De hecho, el jefe masón queda un poco decepcionado con el personaje principal por no seguir el estilo funeral de la masonería en los trámites para el entierro del hijo muerto. Por lo tanto, una observación para esta película: Empieza divertida, luego se pone seria, incluso psicológica, para revelar un aspecto psicológico secreto que la sociedad condena, pero que, en secreto, puede llegar a sentir un individuo corriente: Le gustaría torturar sádicamente el asesino de su hijo hasta acabar con él. Y al final, uno se queda solo y se confunde con el resto de la multitud en un mar de humanidad deshumanizada.

La película "An Average Little Man" de Mario Monicelli es una comedia que se convierte en tragedia, la búsqueda de la estabilidad que se hunde desemboca en la confusión absoluta y en locura ciega. La vida es impredecible, un castillo de naipes que puede derrumbarse de un momento a otro, nuestra presunta estabilidad puede desmoronarse de un día para otro y dar paso a una cotidiana locura como la de este Sr. Vivaldi, encarnado por un Alberto Sordi de forma absolutamente magistral.

Monicelli a través de un guión de hierro presenta una Italia que convive con sus diferentes caras: unos burócratas son muy perezosos mientras que otros trabajan 30 años para obtener una vida digna mientras soportan las humillaciones diarias a las que les somete un jefe casposo (aquí literal), el poder de las sociedades secretas ocultas en las competiciones laborales y la venganza como un instrumento de justicia. Una historia perfectamente actual y un film que sigue impresionando. Una obra maestra del cine italiano.

http://youtu.be/SbNxE-7g_1c

http://youtu.be/G6V_rDUm3rw
http://youtu.be/ivBoTsECB5Q
http://youtu.be/tm4qtz6V9-w

GIOVANNI VIVALDI: Es más fácil entrar en el ministerio que en el cementerio.
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ORSON WELLES SE DIVIERTE

2011-04-23T04:14:00.000-07:00

RECORRIENDO LONDRES (5 episodios: -CHURCHILL -ONE MAN BAND

-CASA SEÑORIAL -SASTRES -CUATRO 'CLUBMEN').

LONDON (1971) 29 min. USA.

Dirigida y escrita por Orson Welles

Con: Tim Brooke-Taylor, Jonathan Lynn, Charles Gray, Orson Welles.

Producida por Stefan Drössler. (Quien tambien produce la version restaurada de 1999)

Cámara: Gary Graver, Tomislav Pinter, Ivica Rajkovic, Giorgio Tonti (C).

Sinopsis: No hay tal cosa aquí. Orson Welles imita a los Monty Python.

A pesar de su actuación histriónica en "Catch-22", nunca había considerado a Orson Welles como un buen comediante. Viendo "Londres", -que consiste en cinco segmentos-, cambié de opinión. Se abre con una recopilación de citas de Winston Churchill. Muy divertidas, pero nada comparado con el resto; los demás episodios pondrían verdes de envidia a los Monty Python. El más gracioso es el segmento "Swinging London". ¿Te imaginas a Orson Welles como músico ambulante, como Bobby londinense, o como el propietario de un club de striptease chino? Bueno, pues en 'Swinging London' no sólo desempeña estas tres funciones, sino también podemos verle como un ama de casa disgustada y como una mujer que vende violetas -y tarjetas postales pornograficas-. Es simplemente hilarante. Lástima que el sonido del segmento medio ('Cuatro Clubmen', todos ellos interpretados por Welles, por supuesto) no solo es malo, sino que el propio episodio también es iconoclasta de narices.

Asimismo, los episodios titulados 'Sastres' y 'Casa señorial' -donde hace de ¡la Reina de Inglaterra!-, son 100 % "Monty Python's Flying Circus".

http://youtu.be/qGIe5xYQpls
http://youtu.be/nU_23Vu5-RE

by O. Jules

PLATOS DE MUY MAL GUSTO. ESPECIAL SEMANA SANTA

2011-04-15T12:26:00.000-07:00

Para celebrar este primer año de existencia de su blog CHEZ L´ONCLE JULES de la MAISON DE LA LIBERTÉ les invita a saborear este exquisito menú especialmente recomendado para ateos, ácratas y bon vivants:

PLATILLOS ESCOGIDOS PARA ESTA SEMANA SANTA:

Primeros:

-Judías tiernas

-Sushi/chichi

-Pisto

o Atún escabechado

Platos fuertes:

-Pechuga con escarola

-Pavo con guarnición

o Pavo con guindas

Y de postre:

-Cucuruchos de helado de todos los sabores.

Bon Appétit !!

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Como cada puñetera Semana Santa llegan los arrogantes cuerpos musculados, aceitosos y depilados, y las escuetas falditas cortas de cuero... No ,no estoy hablando del vestuario del Real Madrid, sinó de LAS PELIS DE ROMANOS (Amigos, romanos, compatriotas... se chocan las pelotas)

Ben-Hur (Ramón Novarro- Charlton Heston) y Messala (Francis X. Bushman-Stephen Boyd) en "Ben-Hur" (Fred Niblo 1925 y William Wyler 1959), dos versiones con idéntica psicología de personajes.

Marcus Licinius Crassus (Laurence Olivier) y Antonino (Tony Curtis) en "Espartaco" de Stanley Kubrick (1960), ostras y caracoles.

Están locas estos romanos.

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MONAS DE PASCUA

PARECIDOS MUY, PERO QUE MUY RAZONABLES

Papa Ratzinger

Copito de nieve (me sabe mal por el gorila)

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Y para que pueda digerir todo esto la casa dispone de:

COMENCINI, LA RISA AHOGADA

2011-03-19T12:22:00.000-07:00

"El mundo es duro y cruel. Nos encontramos en él sin saber por qué y vamos no sabemos dónde. Debemos avanzar por la vida tan discretamente que el hado no repare en nosotros. Hay que buscar el amor entre las gentes sencillas e ignorantes. Su ignorancia es superior a toda nuestra sabiduría. No alborotemos; Permanezcamos en nuestro pequeño rincón, humildes y amables como ellos. Esta es la sabiduría de la vida". William Somerset Maugham: "The Moon and Sixpence".

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Estos dos títulos constituyen lo más mejor de uno de los padres de la comedia italiana:

Luigi Comencini (1916 -2007)

SEMBRANDO ILUSIONES (1972) Título original: Lo Scopone scientifico

113 min. Comedia amarga

Director: Luigi Comencini

Guión: Rodolfo Sonego

Fotografia: Giuseppe Ruzzolini (Color)

Musica: Piero Piccion

Productor ejecutivo: Fausto Saraceni

Montaje: Nino Baragli

Ganadora de 2 David di Donatello en 1973: a la mejor actriz protagonista (Silvana Mangano) y al mejor actor protagonista (Alberto Sordi)

Con: Alberto Sordi (Peppino); Silvana Mangano (Antonia); Bette Davis (La millonaria); Joseph Cotten (George); Mario Carotenuto (El profesor); Domenico Modugno (Righetto); Franca Scagnetti (Pasqualina); Antonella Demaggi (Cleopatra).

•C.I.C. •Dino de Laurentiis Cinematografica •Produzione Cinematografiche Inter.Ma.Co. Titanus.

"Me parece que mi película 'La escoba científica' es una historia muy buena sobre la lucha de los débiles contra los poderosos" (Luigi Comencini)

Una comedia de notable acidez en la que un humilde matrimonio italiano vive una particular versión del sueño americano a través de un juego que les propone una millonaria un tanto miserable. Planteada en las antípodas del espíritu de Frank Capra, supone una descarnada mirada sobre las miserias de la condición humana. Es uno de los mejores films de su director.

Sinopsis: Roma, 1970. Peppino Su esposa Antonia y sus cinco hijos viven en un barrio pobre, poblado por toda clase de vagabundos, proxenetas y prostitutas, además de un "profesor" arruïnado que imparte clases a todos sobre la importancia de la lectura y la belleza del marxismo. Cada año una millonaria americana viaja hasta Italia para jugar a las cartas con Peppino y Antonia, y cada año estos abrigan la esperanza de ganar suficiente dinero para cambiar sus vidas, -¡no necesitan mucho, pues no tienen nada!-. La villa en la que la mujer de edad vive es impresionante, rodeada por los árboles latinos más bellos, en total contradicción con el entorno de la pobreza de la familia de Peppino. El tema de fondo de la película es la lucha de clases y cómo los ricos se burlan de los pobres con la promesa de ofrecerles un futuro mejor que nunca llega. Pero Comencini es mas amargo que sus contemporáneos (Monicelli, Petri, Risi, etc.) no existe ni el amor ni la humanidad ni entre ricos ni entre pobres.

Bette Davis interpreta a una riquísima americana con una gran adicción a jugar a las cartas y a ganar siempre. Se ha convertido en una experta en los juegos de cartas locales de los distintos países que visita por todo el mundo, por todas partes tiene mansiones. Atada a una silla de ruedas, los juegos de cartas son su única relación con el mundo de los vivos. En Roma, el juego de cartas se llama "scopone" (escoba) e invita a un matrimonio humilde para que sean sus adversarios. La pareja son los más pobres entre los pobres, con una familia de cinco hijos. Tan pronto como llega a Roma Bette, ella los llama y les da un millón de dólares para jugar. Sistemáticamente, cada año les pasan por la cara muchos millones de dólares. Sordi y Mangano pasan el resto del año soñando que un día ellos va a ganar, así durante años y años. El cuerpo del film hasta el clímax es una de las cosas que más dolorosamente divertidas que he visto nunca. Patético y edificante al mismo tiempo.

Una vez más, Peppino, el chatarrero, y Antonia, su mujer, esperan ansiosamente el regreso de una millonaria americana de edad avanzada a su lujosa villa con vistas a las chabolas, donde una variada humanidad pobre sobrevive día a día. La vieja americana viaja por el mundo con su secretario y ex amante George, al que se ha asociado y ahora utiliza como acompañante para jugar a las cartas en varios lugares alrededor del mundo que visitan para cuidar de su negocio a nivel global. Cada año se deja caer por Roma, y llama a Peppino y a Antonia para jugar con ellos a la 'escoba de la ciencia'. La pareja pobre ha estado entrenando durante todo el año y ahora es el momento de la verdad, por fin llegó la gran revancha. Por supuesto todo el municipio está a favor de Peppino, pero especialmente de Antonia, mucho más hábil que él en el juego. Con la victoria Peppino espera expandir su negocio mediante la adquisición de un depósito de chatarra con el que desea retirarse del mercado, y Antonia desea tener una vida menos miserable para ellos y sus cinco hijos, y con poder dejar la fabricación de coronas funerarias, de afeitar muertos -trabajan para un explotador pariente, director de una funeraria- y de fregar empresas. Hasta ahora los dos han perdido, pero esta vez, con los millones que la vieja, 'amablemente', les presta están seguros de ganar.
Iniciado el juego, finalmente parece ser el momento propicio para la pareja pobre. Los dos han ganado doscientos millones de dólares, pero a la vieja le dá un ataque pero, a pesar de eso, quiere seguir jugando.Antonia acusa a su marido de cometer un error en el juego y a par con su amante, Righetto, estafador profesional, y del engaño con el capital obtenido por las economías de todo el municipio, organizado por el "profesor"- una especie de eruditos y sabios (pero de la estafa) del Consejo de barraquistas- reducirán a la vieja millonaria moribunda. La noche de sábado de brujas tiene lugar el juego a todo o nada. El profesor recoge los mensajes que vienen de sus esclavos de la villa y difundir a las personas que las ganancias de Righetto, la mitad de mil millones de dólares, será para todos. El pueblo celebra la final, pero el "jugador profesional" lo pierde todo, incluso su dinero invertido en la empresa. Righetto lo pierde todo, -incluso el honor de jugar y hacer trampas-, e intenta suicidarse.
Peppino, para obtener dinero, también ha perdido la barraca apostando con la vieja millonaria americana. Al final la pareja se reconcilia con ella con la esperanza de recuperar su propiedad en una recepción que la vieja piensa dar el año próximo. Pero es improbable que la multimillonaria vuelva porque Cleopatra, la hija, -que ha acudido también al aeropuerto con su familia a ver partir los anhelados mil millones de dólares para los Estados Unidos-, cariñosamente acaba de darle una tarta repleta de veneno para ratas a la vieja.

La escoba siempre barre hacia el que la sujeta./ El último gran filme de Bette Davis./ Una cruel fábula moderna./ Brillante cuento de hadas oscuro./ Deliciosa fusión de 'Brutos, súcios y malos' (1976) de Ettore Scola con 'Sunset Boulevard' (1950) de Billy Wilder./ Comedia negra italiana./ Cuando el cine italiano estaba en su mejor momento. / Venganza contra el sistema./ Ante el patetismo y la degradación a la que llegan sus padres una niña lleva a cabo su propia justicia poética./ Zooms muy crispados mostrando los mil rostros de la miseria humana.

Scopone (Escoba):-Definiciones, muy acertadas las tres, en el contexto del film que nos ocupa-: "Objeto doméstico de úso común que sirve para barrer; Se utiliza llevando los desperdicios hacia uno mismo y depositandolos dentro de un recogedor."/ "Variante regional del juego del 'Bridge'." /"En ocultismo: Objeto volador sobre el que una bruja íba montada para desplazarse desde el cielo hasta un 'aquelarre'./ En Italia 'La Bruja de la Suerte' es el equivalente a 'Los Reyes Magos' para hispanoamérica o 'Santa Claus' para el resto del planeta".

La Italia de los años setenta se encuentraba en estado crítico: padecía los primeros signos de terrorismo agravado las tensiones sociales, consecuencia de un sistema político que se estaba desmoronando; Hay un cierto poso de esto en esta película de Comencini, una parte de esta realidad social está presente aunque se aleje deliberadamente del llamado "cine comprometido": Se trata de una fábula, escrita con su maestría habitual por Rodolfo Sonego, basandose en un hecho real que había presenciado en Nápoles en 1947.

Aunque la ambientación de la isla de chabolas es una reminiscencia del cine neo-realista, tambien está la parte que se desarrolla en un suntuoso castillo que revisa los relatos góticos de terror o los cuentos de hadas con la inevitable bruja, que en este caso es una multimillonaria estadounidense, que desde su villa domina el valle de los suburbios romanos.

Los cuentos de hadas suelen ser oscuros pero muy atrayentes. La vieja (nunca se sabe el nombre de "la vieja dama") se presenta inicialmente con la apariencia de un hada buena y generosa que hace una donación de dinero a los dos ingenuos chabolistas, pero durante el transcurso de la película tomará la forma de una bruja cruel y codiciosa.

Una película no política, en principio, pero que contiene una crítica social muy dura a la lucha de clases entre ricos y pobres, el poder del dinero; Y un lúcido discurso sobre si ganar dinero sin trabajar está moralmente justificado, -al fin y al cabo los pobres del film pretenden aprovecharse de la millonaria-: ¿quién es el tramposo real?, ¿Peppino y Antonia?, ¿la vieja millonaria?, ¿el profesor?, ¿Righetto?; La vieja con todo su dinero siempre será la ganadora.

Algunos críticos han visto una metáfora del imperialismo estadounidense, o la ingenuidad -debido a su bajo nivel intelectual- de las clases bajas, que caen en la ilusión de la utopía que les vende el "profesor", que lleva a sus vecinos a la ruina. Es necesario hacer hincapié en que la niña Cleopatra es muy consciente de lo que ocurre, y de lo que una noche contó el "profesor" a Peppino y Antonia;

El "profesor" explica que: "Los ricos y los poderosos no pueden comprender los apuros y las ánsias de los pobres. (A los niños): El mismo Homero que estudiais en vuestra escuela de mierda, dijo que mientras los hombres luchan y viven sus tragedias, los dioses se comportan como seres frívolos, crueles y caprichosos. ¿Como quieres ganar la guerra si llegas a apreciar a tu enemigo? Debeis dejar de apreciar a la vieja y empezar a odiarla... ¡odiarla!

La forma más rápida de sacarle todo sería eliminarla físicamente. Pero dado que desde hace muchos años hemos aceptado el juego, debemos combatirla científicamente, y sin piedad." La ilusión es tan solo intelectual para él, una fuerza que termina por dominarle.

En este contexto, uno puede ver que no es por casualidad que Cleopatra solucione los problemas de su familia como en una tragedia griega; Una vez lo han perdido todo, sin esperanza de poder remontar y luchar contra el poder (el capital) con sus propias armas y en una tierra conquistada, los débiles (sub-proletariado) deben luchar con sus propios medios, pues la vida les obliga a utilizar todos los días mil astucias para hacer frente a los problemas inmediatos de supervivencia (veneno para ratas, de las que están infestadas las chabolas) y recurrir, como lo sugiere el profesor, a la eliminación física del invasor. Una película muy bien dirigida y brillantemente escrita.

EL REPARTO:

El elenco es fabuloso para esta fábula: dos grandes actores estadounidenses, Joseph Cotten y Bette Davis, dos de los grandes italianos: Alberto Sordi y Silvana Mangano. es una comedia de primer orden, a veces rayando en la tragedia, Luigi Comencini aquí queda igualado con Billy Wilder.

Grandes actuaciones: Alberto Sordi, convertido deliberadamente en la sombra de sí mismo y de de Silvana Mangano que, a pesar de sus ropas, conserva la aristocracia en su porte y sus ademanes. Bette Davis y Joseph Cotten constituyen los últimos iconos del cine de los años treinta y cuarenta, muriendo tras el asalto de la televisión. Cotten parece reencarnar la figura de Stroheim en "Sunset Boulevard" de Wilder. Es el ex amante de la multimillonaria. George es, a su vez la más débil víctima y el verdugo (o ejecutor de las órdenes) de la vieja; Antonia Peppino, sin embargo, son incapaces de ver a sus dos aniquiladores, pues están envueltos en una edificante aura de riqueza.

La composiciones de la Mangano y de Sordi son impresionantes y sobrecogedoras, transmiten tanto su dura verdad como Alfredo Landa y Terele Pavez lo hicieron en 'Los santos inocentes' (1984) de Mario Camus.

Retazos de Sunset Boulevard en una comedia italiana de esqueleto y cuerpo perfectos acerca de cómo el tiránico Don Dólar monta una cadena desde los ricos a los pobres y los humildes. Recuerden que había una partida de cartas en la película de Wilder. Aquí, Bette Davis es una ludópata preparada y profesional, así como una mujer temible y muy segura de sí misma, es el personaje de Norma Desmond. Ella es astuta, no está loca, tiene a todo el mundo girando en torno a ella. Joseph Cotten es el personaje de Max von Mayerling - el artista que tiró una brillante carrera por la ventana para servir a esta criatura imperiosa a la que idolatra-.

El giro de Comencini consiste en reemplazar al irónico guionista Joe Gillis (William Holden), por Alberto Sordi y Silvana Mangano como la pareja de pobres que han apostado sin darse cuenta su vida con la anciana. En última instancia, no son sólo ellos, sino la totalidad de su barrio de chabolas lo que se está llevando la Davis en su alegre persecución, -llevada a cabo estrictamente para su propia diversión-. El giro al final es tan perfecto, en sí mismo, tan minucioso, a la manera italiana, como el final de la película de Wilder. Absolutamente deliciosa. Cuatro grandes actores dirigidos a la perfección.

Fue la última gran película de Bette Davis, y en los Estados Unidos ni siquiera saben que existe. Me pregunto quién es el 'genio' que la comercializó en España con el infame título, de inadecuadas raíces 'caprianas': "Sembrando ilusiones". La película es una joya tragicomica.

El trabajo que hizo la actriz de doblaje italiana con Bette Davis es asombroso, totalmente transparente. He oído que la diva no se llevaba nada bien con Alberto Sordi, ¡qué sorpresa!; Ella no se llevó nunca bien con sus compañeros de reparto.

Pero más allá de trivialidades, déjenme decirles que es una película maravillosa. Bette Davis está magnífica como la torturadora capitalista y falsa benefactora. Alberto Sordi, uno de los más grandes cómicos, ofrece una actuación sensacional.

Una brutal actriz, llena de patetismo en sus tour de force, Silvana Mangano, encarna a una proletaria, siempre es un deleite verla actuar.

Y Joseph Cotten siempre ha tenido mucha distinción prestancia y naturalidad, la clase de actor que interpreta usando la cabeza.

Todo un placer ver a Bette Davis, diciendo "Yo quiero jugar a las cartas" en su lecho de muerte.

Pero los verdaderos protagonistas de la historia son los niños con sus ojos inocentes, pero desencantados, que tienen la visión correcta de la realidad que escapa a los adultos: "Aquí se trabaja, no se juega", -dice uno de los hijos de Peppino-.

Comencini, en particular, dirige la atención del espectador hacia el personaje de Cleopatra: Luigi Comencini, dijo: "El niño es el único en poseer la verdad. De hecho, tuve mucho cuidado con esta chica, y creo que se puede ver ... Ella tiene un sentido preciso de la realidad, ve las cosas como son, no está viviendo la misma ilusión de su familia ni de todo el tejido social de los barrios bajos donde una ilusión les lleva a todos a la locura" (...) "No es que me gusten los niños de una manera especial pero me interesan, son adultos sin leyes, sin moral, sin autocontrol y sin condicionamientos sociales psicológicos". Al final se hace la luz, el nombre que tiene la niña -y de ahí su función catártica- no está puesto al azar.

Los hijos de Peppino y Antonia son niños hambrientos y súcios, privados de infancia y obligados por la dura realidad a hacerse mayores antes de tiempo, pues lo entienden todo perfectamente. -Un niño muy pequeño, que trabaja afeitando a los muertos en una funeraria, acaba cayendose de sueño; Una niña muy seria prepara cuidadosamente una tarta destinada a una capitalista inescrupulosa (en lugar de harina la masa contiene un paquete grande de matarratas, entero)-. Cleopatra, la hija mayor de Peppino se da cuenta de que jugar a cartas con la vieja podrida de millones es un juego de tontos, ¿qué pueden hacer dos proletarios contra el capitalismo yanqui?

Dichos niños, a pesar de ser muchísimo más inteligentes que sus padres, -unos miserables y unos arrastrados que se dejan vejar una y otra vez por dinero- al terminar el film tenemos la sensación que las cosas en la vida no les irán mucho mejor que a sus desgraciados progenitores; Pues llevan grabado en sus rostros una profunda tristeza que solo se obtiene habiendo sufrido durísimas experiencias, -un estigma propio del proletariado-, y han adquirido una astucia própia de las aves de rapiña al carecer de las necesidades más básicas. El odio al patrón que sienten es tan grande que les alejará para siempre del capital; Y más teniendo en cuenta la determinación de la niña, claro está que áquel que ya mató una véz puede reincidir.

Son niños sin alma, como los pintados por Picasso durante su epoca parisina, ("período azul y rosa"); O como los del film de Luís Buñuel "Los olvidados" (1950).

Quiero destacar también el personaje del "profesor" (fantástico Mario Carotenuto), -un personaje como los que aparecen en las primeras películas de De Sica-, un pobre muy embaucador y canalla que estafa a sus vecinos de un gueto de Roma con su verborrea.

Se demuestra así que los pobres y los humildes también sucumben a la fiebre consumista y todos tratan de hacerse ricos de manera fácil (en el caso de Peppino, para satisfacer las ambiciones de su esposa más que las suyas propias), pero sus esfuerzos tienen consecuencias desastrosas. Es la fábula habitual del pequeño italiano que "se atreve a desafiar al alto y poderoso americano", y en última instancia fallan miserablemente todos ... el ser moral debe seguir estando en su puesto, si se nace pobre no se puede luchar contar los ricos y salirse con la suya.

"PEPPINO: La vieja quiere confesarse.
ANTONIA: ¿Es católica?
PEPPINO: ¡Es extranjera!"

http://www.youtube.com/watch?v=FE7Ze0Y3VNA

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EL GRAN ATASCO Titulo original: L'ingorgo, una storia impossibile. Italia 1978. Duración 126 minutos.

Genero: Comedia grotesca

Director: Luigi Comencini

Guión: Luigi Comencini, Ruggero Maccari, Bernardino Zapponi

Fotografia: Ennio Guarnieri, Angelo Filippini, Mario Mazzoni. (Color).

Musica: Fiorenzo Carpi

Montaje: Nino Baragli, Vivi Tonini, Giuseppe Varano

Efectos speciales: Roberto Arcangeli

Decorados: Mario Chiari, Luciano Puccini

Interpretes y personajes: Ugo Tognazzi: El profesor; Alberto Sordi: El abogado; Marcello Mastroianni: Marco Montefoschi; Stefania Sandrelli: Teresa; Miou-Miou: Angela; Fernando Rey: Carlo; Annie Girardot: Annie; Patrick Dewaere: El amante de Mara; Ángela Molina: Martina; Gérard Depardieu: Franco, marido de Angela; Gianni Cavina: El marido de Teresa; Ciccio Ingrassia: El moribundo en ambulancia; Ester Carloni: La abuela de Germana; Ferdinando Murolo: Uno de los dos delincuentes; Nando Orfei: Carloni; Harry Baer: Mario; José Sacristán: El cura; Lino Murolo: El padre de Germana; Ernst Hannewald: Stefano; Enrico Lorenzetti: El ciclista; Solvi Stubing; Giovannella Grifeo; Eleonora Comencini; Pupi Avati; Gianni Cavina.

•Clesi Cinematografica •Greenwich Film Productions •José Frade Producciones Cinematográficas S.A. •Albatros Filmproduktion •Filmédis •Gaumont International.

Sinopsis: Roma, Via Appia Nuova, cerca de la CRG. Una terrible atasco de tráfico afecta a una larga caravana con miles de conductores que se dirigen a Nápoles. Estos incluyen un rico hombre de negocios que sostiene demagógicas ideas -que él dice que son socialistas- (Alberto Sordi), una joven hippie (Angela Molina), una estrella de cine de edad avanzada, Montefoschi (Mastroianni), dos parejas en crisis: una de mediana edad (Girardot y Rey) y otra joven (Depardieu y Miou Miou), una familia numerosa de Nápoles, unos jóvenes delincuentes en un Range Rover, unos chulos de buenas familias en un Mercedes...

Durante el largo día los personajes interactúan de una manera u otra. El contratista dice ser generoso con los infelices y luego se escaquea a la primera solicitud de ayuda. Dentro de la gran familia la joven napolitana está embarazada y el padre quiere que aborte. El actor es reconocido y halagado por todos, incluyendo a una pareja que vive en una casa en ruinas al lado de la autopista y que está dispuesta a recibirlo durante la noche. El marido le ofrece a Montefoschi pasar la noche con su mujer embarazada a cambio de un empleo en Cinecittà. La hippie liga con un joven que transporta queso en un camión y ámbos son acosados por los jóvenes delincuentes. Algunos napolitanos tratan de vender las mercancías transportadas despertando la ira del muchacho.
En un Volkswagen un neurótico raciona sus cigarrillos e, irónicamente, un grupo de niñas cantan canciones del movimiento, luego superficialmente politizado de los Trabajadores para la Autonomía, -adjunto a la política moderada del PCI-.
Un hombre muere en una ambulancia (Ciccio Ingrassia), confortado por un predicador ecologista. El empresario (como si de Berlusconi se tratara) quiere contratarle para su cadena de televisión, -para ejercer de telepredicador al servicio de un mensaje fascista-, pero su petición es rechazada. Durante la noche, el joven conductor es sorprendido por los matones que violan a la chica hippie. Los presentes en el Mercedes se vén tentados a actuar en primer lugar, pero contemplan la terrible escena divertidos, sin hacer nada. El hombre joven se pelea con su esposa, quien lo traiciona con su profesor, invitado en el coche. Los jóvenes acogen al marido en su camioneta.
El actor Montefoschi despierta en la cama del proletario sin haber logrado sus intenciones. El joven camionero se recupera y quema el Range Rover mientras sus ocupantes duermen. Veinticuatro horas han pasado. Un orador pide a los automovilistas que enciendan los motores. El empresario se complace en contratar a una joven cantante para un desempeño sexual. Los dos jóvenes (el camionero y la chica hippie) quieren olvidar lo que pasó.

Rodada íntegramente en los estudios de Cinecittà, donde se reconstruyó la carretera, una gasolinera, las chimeneas de las fábricas y la antigua casa de campo en el molde de un dispositivo de cerca de la Via Appia Pignatelli, en la Appia Antica.

Érase una vez, en una de esas autopistas italianas de las que los italianos de sienten tan orgullosos.../ Inmóvil "road movie"./ Una metáfora sobre el absurdo de la sociedad contemporánea./ Un más que satisfactorio film apocalíptico y experimental que no deja indiferente a nadie que la haya visto./ El coche era un símbolo de progreso y poder económico mucho antes de "Crash" de Cronenberg./ Audios mezclados con el mismo atasco de tráfico y planos movidos tomados con zoom.

Inspirado en un cuento de Julio Cortázar. Un atasco de tráfico en la carretera bloquea por 36 horas cientos de coches. Reuniones, interactuaciones forzadas, amistades, conflictos, discusiones, traiciones. Relegadas a un segundo plano, y entre los pliegues narrativos, las implicaciones sociales de la ficción y las hipótesis de una catástrofe ecológica rompe las historias de corte anecdótico que forman parte de la comedia realista de costumbres, pero hay una sabiduría oculta dentro de la progresión narrativa y el diseño de producción que hacen que el resultado final sea mayor que la suma de sus sumandos. "Sufro, como todos los hombres, la época tan fea en la que vivimos" (J. L. Borges). La película de Comencini dice lo mismo, y nosotros, su público, lo suscribimos. Redistribuido bajo el título de "Carretera negra" . El atasco de tráfico en la autopista de Roma permite al realizador para dar a conocer el lado negativo del alma humana: la traición, la conspiración del silencio y la especulación están al acecho bajo unas máscaras de urbanidad y/o solidaridad.

En este camino se entrelazan las diferentes historias de varias personas para las que las condiciones de su vida cotidiana se manifiestan en toda su crudeza hasta el extremo de hacerles explotar. El director realmente pretende representar el punto al que nuestra sociedad, presuntamente civilizada, puede llegar ... y se las arregla muy bien con la inconmensurable ayuda de un gran elenco de la escena italiana, la francesa y la española; Muy significativas son las escenas finales, cuando una mujer le dice a dos jóvenes lo que pasó con su hijo (esta es la frase final "¡Vamos a dormir, quizá a soñar con ángeles!") ¡Esta obra es más que satisfactoria!

¡Poca coña con el gran Luigi Comencini! ¡Uno de los mejores directores italianos en pleno apogeo (años sesenta y setenta) del cine italiano! "Traffic Jam", como "lo scopone scientifico" es una 'modern fable'. Un abogado metido en política (y en especulaciones) con el poder que le otorga el dinero contempla a los demás conductores a mucha distancia, -como el ricachón que se vá de safari a fotografiar animales salvajes con un potente zoom-. Este gran atasco no tan solo enfrenta a los pobres contra los grandes y poderosos, sinó que involucra a toda la sociedad, haciendo especial hincapié en las preocupaciones sociales.

A primera vista, parece una película de desastres amateur en lugar de ser espectacular. Este gran atasco revela el profundo malestar de la sociedad de consumo italiana de los 70. El coche, es aquí un símbolo sagrado mucho antes que lo fuera para Cronenberg ("Crash") ¡e infinitamente mejor que el! Comencini anuncia el fin de nuestros días, estamos muertos, envenenados por el egoísmo, la hipocresía y la maldad de Dios llamada: el coche ... Sydney Pollack dirigió anteriormente "They Shoot Horses, Don't They" mostrando unos Estados Unidos dando vueltas en círculos, Comencini muestra aquí el final de la carretera.

Como en una película de desastres cualquiera, hay una gran cantidad de subtramas (no parece haber trama ni personajes principales), pero Comencini es demasiado inteligente como para seguir las reglas de un film de catastrofes cualquiera: a excepción de Sordi y Mastroianni, y las estrellas (Depardieu, Girardot, Tognazzi, Miou Miou, y otros), las caras menos conocidas permanecen en un discreto segundo plano.

Una "road movie" estatica que tiene lugar enmedio de un paisaje desolado, miles y miles de vehículos. Y dentro de este mundo apocalíptico, la rehóstia de la mezquindad humana y Dios contra todos nosotros. El paroxismo de la película deja paso al horror. Durante una escena de violación múltiple en una camioneta con la puerta abierta, durante la noche: cuatro burgueses, en el coche de atrás, ponen los faros y disfrutan con la chica gritando mientras es forzada. ("tal vez le gusta que la espiemos",- dice uno de los voyeurs-), pues, seguramente, ellos pagan por un espectáculo de este tipo en la ciudad.

Si, hay una esperanza, como en otras ocasiones, en el mundo de Comencini, se pueden encontrar en los ojos de los niños con aureola de santos; Una luz que ilumina la oscuridad. Cuando una chica (la que va a ser tristemente asaltada y espiada) coge su guitarra y canta una melodía encantadora para los niños y niñas con la esperanza en sus rostros.

Algo angelical se puede encontrar también en las palabras del reverendo cuando le reza al cuerpo del hombre que murió en la ambulancia (atrapado en el atasco de tráfico también), Comencini le hace decir la verdad.

Como la mayoría de las obras de Comencini, se trata de una comedia de humor negro sobre las tragedias que ocasiona la estupidez humana.

"Traffic Jam" es una comedia muy negra, es un poco como "Roma"de Fellini, "Fin de semana" de Godard, "El discreto encanto de la burguesía" de Buñuel, "Trafic" de Jacques Tati y "Macanica nacional" de Luís Alcoriza. Junto a la calzada romana hay un atasco monumental que dura 36 horas. Somos incómodos testigos de los dramas, personales y públicos, de un grupo de gente en este amontonamiento de vehículos, sin duda, una imagen que debe tomarse como un microcosmos de un mundo dominado por una agresividad feroz. Es una película que es a su vez dura, desenfrenada, inteligente, graciosa y sencilla. Es un buen ejemplo de "comedia italiana" ese género combinado con un humor cruel y con una sátira salvaje.

Cuenta con un elenco notable de estrellas internacionales. Luigi Comencini es un director italiano infravalorado, Jean-Luc Godard se cuenta entre admiradores. En esta comedia negra salvaje (en cuyo guión Bernardino Zapponi, -socio regular de Fellini- participó) alcanza objetivos satíricos muy notables, dignos de Luís Buñuel. Por cierto, el propio hijo de Luís Buñuel, Juan-Luis Buñuel, fué asistente del director de segunda unidad en esta producción italo-franco-germano-española.

Varias buenas (y algunas memorables) viñetas abundan en el film: Un arrogante abogado (Sordi), acompañado por un sufrido asistente, comiendo un potito para bebés apartado del resto de conductores.

Entre los naufragados coches abundan los pobres úsados como trueque: Cavina cede a sabiendas a Sandrelli, -su sexy mujer-, para que pase una noche con el actor Mastroianni a cambio de un trabajo como chofer de las estrellas en Cinecittà, e incluso dá a entender su chantaje ante la posible falta de rendimiento en la cama del actor; Rey y Girardot, como pareja que celebran con un viaje sus bodas de plata pelean amargamente (y vociferan sus infidelidades a los cuatro vientos), y todo por la pérdida de las llaves de su casa, que estuvieron en posesión de Fernando Rey todo el tiempo ( a pesar de que él las desliza de nuevo hacia el bolso de su mujer cuando ella no está buscando allí); Un depresivo Dewaere, fumador maníaco y perennemente colgado de su chica; Depardieu amenazando con suicidarse cuando Miou-Miou le pone los cuernos con el profesor que interpreta Tognazzi.

José Sacristán bendice la ambulancia con un infeliz muerto que quedó atrapado en el atasco: "Te damos gracias, Señor, has llamado y aceptado en tu seno a este hombre para llevarlo lejos de las catástrofes del mundo. Sálvanos, Señor. Sálvanos del plástico, sálvanos de los residuos radiactivos, líbranos del poder político, sálvanos de las multinacionales -se pueden cerrar por razones de Estado-, sálvanos de los desfiles, uniformes y marchas militares. Sálvanos del desprecio por los débiles, líbranos del mito de la eficiencia y la productividad, sálvanos de la falsa moral, sálvanos de las mentiras y de la propaganda. Respetemos la naturaleza, la vida, el amor, el respeto por los demás; la fornicación no constituye un pecado carnal, pues no es un pecado lo que se hace con amor. Amén."

"Traffic Jam" es absolutamente pesimista. Las últimas fotos muestran a la población comiendo frascos de alimentos para bebés. ¿Otro hombre va a nacer de nuevo con la sabiduría de un niño, o será condenado a vagar durante toda la eternidad? Como en SEMBRANDO ILUSIONES Un niño sufre la indiferencia de los adultos en el corazón; Los niños que fueron cuidadosamente amamantados se envían a la guerra, a morir o a matar, como se matan todas sus ilusiones.

ESPERPENTOS CÓMICOS 2. MONICELLI PICARESCA Y SÁTIRA

2011-02-20T03:41:00.000-08:00

"LOS ALEGRES PÍCAROS" Título original: I Picari

Año: 1988 Duración: 121 min. Italia/ España
Género: Aventuras/ Comedia Idioma: Italiano

Director: Mario Monicelli
Fotografía: Tonino Nardi (C)
Guión: Leonardo Benvenuti, Suso Cecchi d' Amico, Piero De Bernardi, Mario Monicelli; Sobre la novela "Guzmán de Alfarache" de Mateo Alemán y "El lazarillo de Tormes", novela de Anónimo.

Editor: Ruggero Mastroianni
Música: Lucio Dalla, Mauro Malavasi

Intérpretes y personajes: Giancarlo Giannini: Guzmán Alfarache; Enrico Montesano: Lazarillo de Tormes; Vittorio Gassman: Marqués Felipe de Aragona; Nino Manfredi: El viajero ciego; Giuliana De Sio: La prostituta Rosario; Paolo Hendel: El tutor del Marquesito; Bernard Blier: El protector; Vittorio Caprioli: Sombra Impresionante; Salvatore Borgese: Capitán; Claudio Bisio: El piloto amotinado; Blanca Marsillach: Ponzia.

Productor: Giovani Di Clemente para Clemi Cinematográfica y Producciones Cinematográficas D.I.A.

Distribución: Warner Bros.

Sinopsis: Los protagonistas de la historia (Giancarlo Giannini y Enrico Montesano) se reúnen en los remos de una galera, se hallan ahí tanto para expiar los pecados de una vida inestable como por robar; empiezan a contar sus respectivas historias: Lazarillo de Tormes fue criado en una chabola mísera, dónde para sobrevivir, su madre prostituta vendió a su hijo a un viajero ciego (Nino Manfredi), quién resulto ser un estafador astuto y un avaro increíble, que enseñó al chico lo que él mismo aprendió en la calle, valiéndose del fraude, del engaño y la burla.

Guzmán Alfarache, por su parte, conoce la miseria que representa servir en casas de nobles; Su padre era relojero, pero siendo, como era, muy ducho haciendo trampas en los juegos de dados y cartas, la vida le fue privada antes de tiempo, muriendo ahorcado. Es entonces cuando su camino fue guiado por un sacerdote de una familia noble, donde un profesor (Paolo Hendel) en lugar de darle golpes fuertes al vástago de la familia (como hubiera sido correcto, habida cuenta de la vergonzosa ignorancia de este) se los daba al pobre Guzmán.

Después de haber escapado de la cocina tras un motín en el que son arrojados al mar, los dos pícaros se encuentran en la playa; De nuevo, tienen que luchar por su destino. Obligados por las cadenas que les aguardan, el destino les separa. Guzmán se presentará ante un noble caído (Vittorio Gassman), todo sangre azul pero sin un real; y se reunirá de nuevo con el Lazarillo, quién mientras tanto había seguido con su arte de engañar a los crédulos en la calle, y ejerce como improvisado actor.

Así comienza su viaje, 'ahora en común-ahora separados', entre bromas y travesuras. En la costa catalana los dos hombres, haciéndose pasar por un noble con su criado, serán capaces de engañar a un joyero, comprando una joya preciosa pagada con otra falsa, a crédito, que en realidad es una peladilla adquirida en la confitería de al lado. Con el dinero obtenido de la estafa Lazarillo y Guzmán deciden hacer una buena "inversión" y comprar una prostituta, Rosario (Giuliana De Sio), a su antiguo patrón (Bernard Blier). El pacto entre caballeros resulta ser un engaño, porque la prostituta elige con quién se acuesta, administra el dinero y pretende huír; exigiendo su libertad. La naturaleza indolente de Rosario empuja a Lazarillo hacia ella con un ardid del amor y los dos protagonistas se separan de nuevo. Guzmán es aceptado por una cofradía de ladrones dirigida por un individuo llamado Sombra Impresionante (Vittorio Caprioli) que le enseña a extorsionar a un noble local, quién astutamente prepara una emboscada para detener a la banda, Guzmán se ve obligado a matar de forma gratuita a un policía con un arma. Debido a este gesto, el protagonista es condenado a morir colgado, -como ocurrió con su padre muchos años antes-. Para resolver el problema interviene Lazarillo, que después de haber sido abandonado por Rosario ha trabajado como ayudante del verdugo: Las aventuras y desventuras del compañero de Guzmán son compartidas con otro amigo que estaba condenado a la amputación de su mano por robo. La escena final muestra a los dos protagonistas, unidos de nuevo en el camino del hurto y la fechoría, cuando son perseguidos por un pastor al que le han ordeñado a todas las ovejas y le han robado la leche.

Frases para el recuerdo:

Lazarillo de Tormes: "La vida es un juguete, un pozo, la inalcanzable luna ... Daría un ojo por un poco de suerte."

Ciego: "Niños y gente loca, la verdad siempre en boca".

Nueva inmersión en el relato picaresco, en la línea de otros trabajos de Monicelli, como "El Marqués de Grillo" o "Bertoldo, Bertoldino e... Cacasenno", para la que el director se documentó con varias obras españolas, como la novela anónima "El Lazarillo de Tormes", y la novela "Guzmán de Alfarache" de Mateo Alemán, entre otras. Injustamente denostada en su día por la crítica más sesuda, "Los alegres pícaros" narra las desprejuiciadas aventuras de dos vagabundos (Giancarlo Giannini y Enrico Montesano) que, apurados por el hambre, y sin obtener ningún beneficio de la venta ambulante, se dedican a estafar a la gente con trapicheos poco ortodoxos.

Como en muchas otras obras de Monicelli el film se beneficia de una cuidada reconstrucción histórica que recrea perfectamente un universo temporal determinado. La película superpone una serie de episodios independientes entre sí cuando los dos interpretes principales participan de vez en cuando con otros personajes que son las co-estrellas de cada episodio. Ambientada en el año 1593, presenta a los seres humanos en general (ricos y pobres) como aves de rapiña y lobos arrojados a un mundo inóspito dónde solo sobrevive el más taimado y astuto. El film se beneficia de la excelente labor de un gran reparto. La mayor parte del film se rodó en exteriores en Ávila, Salamanca, Castilla y León, y estas ciudades se convierten en personajes, presentes a lo largo de todo el metraje, más que en espacios físicos dónde ubicar unos personajes.

Monicelli, como Pier Paolo Pasolini, supo extraer poesía de los ambientes marginales -escatología y desnudez femenina incluidos-, y acometió una punzante diatriba contra los estamentos sociales más anquilosados en el tiempo y más pagados de sí mismos (como la iglesia católica y la burguesía). -Una joven novicia que ¡chupa como los ángeles! el dedo anular que Lazarillo introduce a través de la reja de un covento. Dos condenados a galeras, suspendidos mediante cuerdas y arneses por el exterior de un barco de presos, cagan en alta mar mientras se cuentan sus batallitas; Ván incómodamente sentados en sendas sillas de mimbre sin asiento, para que sus culos asomen por debajo. De modo que los dos desventurados vagabundos tienen que adoptar una incómoda postura que les dá la apariéncia de insectos patas arriba-.

A mi parecer, el episodio del Lazarillo con el ciego constituye la mejor adaptación de la primera parte de esta famosa novela picaresca que nunca se ha rodado. Fiel al espíritu irreverente del texto, y al mismo tiempo no exento de aguda sátira social. Me gusta especialmente cuando el ciego (genial Nino Manfredi), engañado por Lazarillo, trata de vender un potente afrodisíaco a un obispo al que toma por un estudiante (están en un mercadillo dispuesto alrededor de la catedral de Salamanca). El ciego será azotado públicamente desde un entarimado levantado en la Plaza Mayor, por su afrenta al clero.

Guzmán (Giancarlo Giannini) conoce a un noble caído (Vittorio Gassman), todo sangre azul pero sin un real, que pasa más hambre aún que su criado

El film íntegro en V.O.: http://youtu.be/FbYdKbA1JwM

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LAS DOS VIDAS DE MATTIA PASCAL

Título original: Le due vite di Mattia Pascal

Año: 1984 Duración: 202 min

País: Italia, España, Francia, R.F. Alemania, Reino Unido

Dirección: Mario Monicelli

Guión: Suso Cecchi d'Amico, Ennio De Concini, Mario Monicelli, Amanzio Todini (Novela: Luigi Pirandello)

Música: Nicola Piovani

Fotografía: Camillo Bazzoni (C.)

Productora: Coproducción Italia-Francia-Alemania del Oeste-España-GB; Antenne-2 / Channel Four Film / Cinecittà / Excelsior Cinematografica / RTVE / Radiotelevisione Italiana / TMG / TSI

Género: Comedia dramática

Reparto: Marcello Mastroianni (Mattia Pascal); Senta Berger (Clara); Flavio Bucci; (Terenzio Papiano); Laura Morante (Adriana Paleari); Laura del Sol (Romilda Pescatore); Caroline Berg (Véronique); Andréa Ferréol (Silvia Caporale); Bernard Blier (Anselmo Paleari); Alessandro Haber (Mino Pomino); Néstor Garay (Giambattista Malagna); Rosalia Maggio (Vedova Pescatore); Clelia Rondinella (Oliva Salvoni); Carlo Bagno; Flora Cantone; Helen Stirling.

Sinopsis: Una película hecha para la televisión, basada en la novela de Luigi Pirandello, "Il fu Mattia Pascal" teje la historia de un hombre (Marcello Mastroianni, -magnífico y cercano, como siempre-) que finge su propio suicidio y trata de vivir una vida sin preocupaciones antes de integrarse de nuevo en la comunidad en la que llevaba años "enterrado" en vida.

Mattia Pascal es un especulador de poca monta, un propietario inmobilista descaradamente engañado por su administrador (Néstor Garay).
Los acontecimientos en la vida de Mattia pronto cambian cuando deja a su familia (su esposa y su suegra) y de pronto las cosas le empiezan a ír muy bien.
Cuando gana una fortuna en el casino de Montecarlo hay una transición entre la vida provinciana de Mattia y su desprendimiento de nuevo rico cuando se lía con Véronique (Carolina Berg).
Cuando se arruïna regresa a su pueblo natal y descubre que a mujer de la que siempre estuvo enamorado se ha casado con su mejor amigo.

Mattia Pascal: "Yo me he muerto ya dos veces". "Quien sufre dolor, podrá dormir, pero quien infringe dolor, no podrá"

Una película magnífica sobre la identidad, el destino, el azar y el anonimato

"Las dos vidas de Mattia Pascal" es una película de atmósfera inquietante. Aunque la música de Nicola Piovani es, en toda la película, altanera y pomposa, lo que sugiere más bien un "giallo" que una satira.

El sarcasmo, la frescura, la diversión sencilla, -con toques de tristeza-, el espíritu burlón y cínico, son las marcas de fábrica del director Mario Monicelli, el film tiene todo su brío.

A pesar de eso, hay que reconocer que Mario Monicelli hizo mucho mejores y más inventivas películas.

El elenco femenino es de por sí interesante: Laura del Sol como "Romilda" (esposa de Mattia); Y Rondinella Clelia como la rústica belleza "Oliva".

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Mario Monicelli (Viareggio, Toscana, 16 de mayo de 1915 – Roma, 29 de noviembre de 2010) fue un director de cine y guionista italiano, considerado uno de los maestros de la Commedia all'italiana ("Comedia a la italiana"). Trabajó con todos los escritores y actores italianos más importantes del siglo XX.

Bastión imprescindible, e insustituible, de una generación de directores que abrieron una espécie de 'segunda vía' dentro el cine italiano de los años 50, 60 y 70, y con un estilo muy alejado de la cargante pedantería de la que a menudo adolece el cine de Ettore Scola -exceptuando la sublime "Una jornada particular"-; del frío academicismo de Mauro Bolognini ("La herencia Ferramonti"); o de la cáustica tragicomédia provinciana y costumbrista que hacían, demasiado a menudo, Luigi Comencini ("Sembrando ilusiones", "El gran atasco"), y Dino Risi ("La escapada", "Perfume de mujer"); El cine de Mario Monicelli se revela hoy en día tan lúcido y directo como lo fue en su estreno.

Como Luís Gª. Berlanga escuchó la voz de los perdedores y la dió a conocer al mundo. Su espíritu imbatible, no obstante, no pudo impedir que una parte de su obra, -áquella dónde hay un exceso de proselitismo comunista-, haya envejecido mucho.

Para decirlo de un modo sencillo: Monicelli no hacía cine como De Sica, ni como Rosellini, ni como Visconti, ni como Fellini, ni como Pasolini. Ni lo pretendió nunca ni le hizo ninguna falta. Tenía un estilo invisible, -como Howard Hawks o Billy Wilder-. Siguió rodando hasta el año 2006 hasta que una casi total ceguera se lo impidió.

Fué un hombre tan súmamente lúcido, hasta el final, que en cuanto supo que íba a morir por causa del cáncer terminal de próstata que padecía, se arrojó por una ventana del quinto piso del Hospital San Giovanni en Roma, dónde se encontraba ingresado. Murió el 29 de noviembre de 2010.

Mario Monicelli fue, sobretodo, un humanista y un gran contador de historias tragicómicas, -estas películas que comento aquí son la prueba de ello-.

I Picari

Le due vite di Mattia Pascal